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ValenciaPhoto es el Festival Internacional de Fotografía y Debate de Valencia. Un lugar de encuentro entre fotógrafos, comisarios y teóricos de la imagen y la estética, historiadores, galeristas y editores, entre otros profesionales. Ofrece a través de la imagen, diferentes puntos de vista y modos de comprender un mundo en constante cambio. Valenciaphoto es un festival de fotografía que quiere promover la cultura, la creatividad y el desarrollo de los artistas. En el transcurso del Festival, seremos testigos de una serie de eventos impresionantes. Valencia, la ciudad de la fotografía.

El Mediterráneo: Mar de culturas

El Mediterráneo ha sido desde la Antigüedad un escenario ambivalente: frontera y cruce, amenaza y promesa, lugar de naufragios y de renacimientos. Su geografía, aparentemente abierta, esconde también los signos de la separación y el riesgo. Como escribió Eurípides, “el mar enseña muchas cosas terribles” (Helena, v. 1530), pero es también el camino inevitable hacia el otro.

Las aguas que separan a los pueblos mediterráneos son las mismas que los han unido durante milenios. En ellas se tejieron rutas de comercio, conquistas, exilios y revelaciones. Ya Heródoto señalaba que el mar es el “gran camino del hombre” (Historias, I.1), no por su facilidad, sino por su capacidad de conectar mundos diversos a través del viaje, del asombro y de la prueba.

En la Odisea, Homero convierte al Mediterráneo en un vasto campo de aprendizaje. Ulises, obligado a errar por sus costas, no sólo sobrevive a los monstruos y las tempestades, sino que aprende a conocer a los otros y a sí mismo. Así, el mar no es solo un obstáculo físico, sino una condición ética del viaje: “Muchos son los dolores que sufrí y muchas las ciudades que vi” (Odisea, I.3).

Para los romanos, el Mare Nostrum fue símbolo de dominio, pero también de civilización compartida. Séneca, testigo del peligro y la posibilidad que encierra el mar, escribía: “Lo que nos separa es también lo que nos une” (Epístolas a Lucilio, LXX), afirmando la paradoja central de este espacio: su capacidad de dividir cuerpos y unir destinos.

En tiempos antiguos, como hoy, las orillas del Mediterráneo se enfrentaban a desafíos comunes: crisis políticas, desplazamientos forzados, tensiones culturales. Pero también compartían una herencia invisible: una misma luz, una misma dieta, una misma forma de mirar el mundo. Estrabón, el geógrafo griego, afirmaba que “la diversidad de las gentes del Mediterráneo no impide que compartan una vida parecida” (Geografía, II.5.26).

Hoy, como entonces, el Mediterráneo nos obliga a pensar en lo común a través de la diferencia. Es un espejo roto cuyas piezas encajan solo si se comprenden como fragmentos de un mismo pasado. Cruce de civilizaciones, testigo de guerras y esperanzas, el mar sigue siendo el gran narrador de nuestras historias compartidas. No es casual que Virgilio lo recordara en la Eneida como el lugar donde “nace la fama, y se extiende con las olas” (Eneida, IV.173).

Porque en el Mediterráneo no sólo se navega el espacio: también se cruzan memorias, lenguas y heridas. Allí donde el mar amenaza, también convoca; allí donde separa, también enseña a reencontrarse.

Open Call ValenciaPhoto’26

El grafiti es un modo de expresión libre que transmite mensajes diversos. Un grafiti célebre afirma:
«Muro limpio, pueblo mudo».
No se trata aquí de inventariar los grafitis que proliferan en la ciudad marroquí, ni de analizar la lengua utilizada (caracteres árabes y/o latinos), ni de descifrar sus significados.
La idea que subyace a mi enfoque consiste en asociar los grafitis localizados en las medinas con escenas animadas por la presencia humana. Estos cruces confieren al grafiti una connotación y un colorido reveladores de un genius loci.
Estricto sensu, el grafiti es cualquier inscripción o dibujo trazado a mano sobre distintos soportes (pared, puerta, etc.), pero mi enfoque integra fragmentos de carteles rasgados, salpicaduras de pintura, manchas persistentes, óxido, etc.
Concretamente, el grafiti y la animación humana de la calle constituyen dos conjuntos disjuntos. Cuando se focaliza de manera aislada en un grafiti, lo que ocurre en la calle pasa a un segundo plano. A la inversa, observar en su conjunto una calle animada por la actividad humana hace que la presencia del grafiti pase desapercibida.
Mediante el procedimiento de la sobreimpresión (realizada estrictamente en el momento de la toma), el contexto de cada grafiti se enriquece con la escena viva concomitante.
La escritura fotográfica de “Moroccan Graffiti” evoca la estética del palimpsesto.

EXPOSICIONES

La obra de Jürgen Schadeberg (Berlín, 1931 – La Drova, Valencia, 2020) constituye uno de los testimonios visuales más contundentes contra las barreras raciales impuestas por el apartheid, revelando con su cámara la profunda fractura entre la Sudáfrica blanca y negra.

Considerado “el padre de la fotografía sudafricana”, Schadeberg ocupa un lugar esencial en la historia de la fotografía documental del siglo XX. Desde su trabajo como fotógrafo principal de la mítica revista Drum, convirtió la imagen en una herramienta de denuncia social y memoria histórica. Sus retratos de Nelson Mandela o de Miriam Makeba figuran hoy entre los iconos visuales más reconocibles del patrimonio sudafricano.

La retrospectiva que presenta ValenciaPhoto reúne una cuidada selección de imágenes realizada por su viuda, Claudia Schadeberg, y ofrece una oportunidad excepcional para recorrer la trayectoria de este gran fotógrafo a través de copias originales, muchas de ellas positivadas por el propio artista.

Con motivo del Bicentenario de la Fotografía, ValenciaPhoto amplía su red con este centro, el primer museo en España dedicado a un gran fotógrafo clásico y uno de los centros más relevantes del país en el ámbito de la fotografía.

La exposición Valencia Histórica nos invita a un viaje al pasado a través de la mirada fotográfica de principios y mediados del siglo XX. Las imágenes reunidas muestran edificios, calles y espacios emblemáticos de la ciudad, revelando cómo era Valencia en tiempos pasados y conservando la memoria de su urbanismo, su vida cotidiana y su patrimonio arquitectónico.

Estas fotografías permiten apreciar la transformación de la ciudad a lo largo del tiempo, ofreciendo un testimonio visual que conecta generaciones y rescata la memoria urbana en toda su riqueza. Cada imagen es un fragmento de historia, un instante congelado que refleja la identidad de Valencia y la vitalidad de su entorno mediterráneo.

La muestra se enmarca dentro de la temática de países mediterráneos, destacando la relación de Valencia con su paisaje urbano y cultural, y se presenta en el contexto de la celebración del bicentenario de la fotografía, reconociendo la importancia de esta técnica como herramienta de memoria, documentación y creación artística.

Valencia Histórica es así una invitación a recorrer el tiempo, a redescubrir la ciudad y a contemplar sus calles y edificios desde una perspectiva histórica y poética, donde pasado y presente se encuentran a través de la fotografía.

Mediterráneo, Espejo de Alas no se limita a reunir imágenes del mar, del viaje o de la nostalgia: la exposición plantea la cuestión de qué significa habitar de forma duradera un “entre-dos”, llevar en uno mismo varias orillas y transmitir memorias femeninas marcadas por el exilio, la filiación y el deseo de metamorfosis. Siguiendo a estas seis artistas —entre Casablanca, Marsella, Róterdam, Alemania y Nueva York—, el recorrido muestra cómo el Mediterráneo se convierte sucesivamente en paisaje, umbral, recuerdo, horizonte político y escenario de performance identitaria.

Las obras reunidas aquí esbozan otra cartografía de la región: un mapa hecho de casas de la infancia, puertos, gestos íntimos, vestimentas, rituales y siluetas femeninas que rechazan los relatos simplificadores. Invitan a pensar la diáspora no solo como una distancia, sino como una fuerza de recomposición de los imaginarios, de los vínculos y de las pertenencias, en el cruce de varias lenguas y de varias historias.

Al dar voz a estas seis miradas, Mediterráneo, Espejo de Alas propone un mar ampliado —a la vez espejo de memoria y espacio de proyección— donde la diáspora marroquí inventa sus propias alas, entre herencia e invención, silencio y toma de palabra, archivos familiares y narraciones plenamente asumidas.

El grafiti es una forma de expresión libre que transmite mensajes diversos. Un grafiti célebre afirma:
«Muro limpio, pueblo mudo».
Este proyecto no pretende inventariar los grafitis que proliferan en las ciudades marroquíes, ni analizar la lengua utilizada (caracteres árabes y/o latinos), ni descifrar sus significados.
El enfoque parte de asociar los grafitis localizados en las medinas con escenas animadas por la presencia humana. Estos cruces otorgan al grafiti una connotación y un colorido que revelan el genius loci.
En sentido estricto, el grafiti es cualquier inscripción o dibujo trazado a mano sobre distintos soportes (pared, puerta, etc.); sin embargo, aquí el concepto se amplía para integrar fragmentos de carteles rasgados, salpicaduras de pintura, manchas persistentes, óxido, entre otros elementos.
El grafiti y la vida en la calle constituyen, en principio, dos conjuntos disjuntos: al centrarse únicamente en el grafiti, la actividad urbana queda en segundo plano; a la inversa, al observar la calle en su conjunto, la presencia del grafiti pasa desapercibida.
Mediante un procedimiento de sobreimpresión —realizado estrictamente en el momento de la toma—, el contexto de cada grafiti se enriquece con la escena viva que lo rodea.
La escritura fotográfica de “Moroccan Graffiti” evoca la estética del palimpsesto.

Sud relata un largo viaje por el Mediterráneo, una sucesión de etapas en ciudades, puertos y costas. Las imágenes se realizaron a lo largo de varios años; las primeras datan de mediados de los años 1980, y las últimas del año 2025. Marruecos, Grecia, Israel, España, Sicilia, Córcega, etc. He distribuido estas imágenes como lo habría hecho con una baraja de cartas, sin preocuparme por su cronología. Mi deseo era que terminaran por confundirse en un único territorio: el Sur.

A partir de los lugares se establece así una especie de cartografía incierta, como extraída de un sueño, donde una calle de Jaffa puede parecerse a otra en Palermo, y una cala en Creta hace eco de un trozo de playa en una calanque de Marsella. No tengo ninguna intención de dar testimonio o documentar, sino el simple deseo de deambular por el Sur, guiado por una brújula interior que me sirve para reencantar la vida a través del viaje, en busca de un imposible “otro lugar”.

Oxímoron en una figura literaria retórica de pensamiento que consiste en complementar una palabra con otra que tiene un significado contradictorio u opuesto.

El proyecto enfrenta dos imágenes opuestas de la realidad de nuestro planeta. La intención es generar sensaciones en el observador, tanto negativas como esperanzadoras.

El proyecto surge, en principio, como una denuncia del cambio climático enfrentando imágenes desérticas a otras donde el agua, bien sean ríos, mares o lagos tienen protagonismo.

Las imágenes, tomadas durante más de tres años, son de diferentes países y muestran el nexo de unión que existe ante un mismo problema, lo que fue agua hoy es desierto y las cosas se pueden invertir.

En estos años de trabajo en el proyecto, enfrentando ideas, recuerdos de paisajes de mi juventud donde viví inviernos lluviosos y veranos cálidos, pantanos llenos, verdes huertas y bosques frondosos, mi subconsciente situó la imagen desértica a la izquierda con la esperanza de volver a ver otra vez en mis paisajes cotidianos, la de la derecha.

El Mediterráneo es un territorio donde el tiempo se acumula. Las civilizaciones se superponen —de la antigüedad clásica al presente— en un paisaje marcado por la costa mediterránea, el mar que separa y que une al mismo tiempo. En este espacio de capas de memoria, la imagen se convierte en un lugar donde el tiempo se hace visible.

Tres artistas comparten una mirada de mujer que se sitúa lejos de la espectacularidad del acontecimiento. En lugar de la imagen heroica o monumental, aparece la atención al proceso, al desgaste, a lo que se transforma lentamente.

En Secuencias de una desaparición, la ciudad se desvanece ante nuestros ojos, revelando el paso del tiempo.
En Perdre le nord, la guerra se observa desde la distancia: imágenes fragmentadas que mezclan verdad y ficción.
En Todos están muertos, la memoria persiste en lo que ha desaparecido: rostros, escenas y archivos erosionados.

En todas ellas, la fotografía registra una desaparición: física, territorial o simbólica. Cambia el soporte —archivo intervenido, imagen tecnológica, secuencia conceptual—, pero el núcleo permanece.

Tres modos de mirar la desaparición.

¿Qué permanece cuando todo parece desmoronarse?

ARTISTAS

Jolene Adelaar (Holanda)
Fotógrafa neerlandesa cuya obra combina vida cotidiana, color y elementos de moda en escenas de estética lúdica y surreal. Su trabajo propone una visión inclusiva y utópica de la realidad, donde el humor, la diversidad y la expresión personal ocupan un lugar central.

Marian Adreani (Rumanía)
Fotógrafo nacido en Craiova (Rumanía, 1989) y criado en Francia, de formación autodidacta. Centrado en el retrato y el reportaje, su obra se ha expuesto en ciudades como París y Marsella, y en festivales como Rencontres d’Arles, además de publicarse en medios como Le Monde o Libération.

Morjane Ahmar
es una fotógrafa y activista franco-marroquí afincada en Marsella. Su práctica, profundamente vinculada a su trayectoria personal y a sus compromisos, explora la experiencia de habitar múltiples identidades como mujer.
Trabaja en torno a la identidad, el patrimonio y la memoria, combinando lo documental con lo íntimo. A menudo articula imagen y texto para construir relatos sensibles y situados, donde lo personal y lo político se entrelazan.
Sus series nacen tanto de la observación como de la experiencia vivida —en la calle, en los cuerpos, en el lenguaje—, y rehúyen representaciones fijas, apostando por narrativas abiertas y complejas.
Su trabajo se nutre de su implicación en ámbitos como la salud global, el feminismo y el antirracismo, desde donde entiende la fotografía como una herramienta de testimonio, solidaridad y posicionamiento.

Zakaria Ait Wakrim
Vendajes, emplastos, cerrar una etapa, olvido, fuera de juego, paisaje, melancolía de piedras que la última helada no ha calentado; ningún hogar se ha establecido en su interior. Abandonadas, pero con propietario, entregadas al destino del tiempo, que no ha traído suerte a esta aldea, pues si la suerte existe, corresponde a quienes vienen después fabricarla. Pero no hay sucesores para una tierra que ha hecho sufrir tantas espaldas. Desamparo, desarraigo.
Se han cortado las raíces y el tiempo se ha secado. Dos ancianos pasean por la Plaza Mayor. Antaño se acudía allí, los hombres a un lado, las mujeres al otro, y, por un instante, se les permitía pasar al otro lado para buscar la mirada deseada. Plaza de Salamanca: hoy mujeres y hombres deambulan por donde quieren, pero existe ahora una nueva división, generacional. Los mayores de día, los jóvenes de noche. Sin cruce, sin posibilidad de encuentro. El joven que pasa por allí, sabiendo que tendrá que abandonar Castilla, prefiere apresurar el paso o pasar de noche. Los mayores, deseosos de perpetuarse, reclaman todavía el espacio cada mañana, buscando algo de sol en la brisa fría, para que les seque las mejillas como antaño. Unos llegan, otros se van. Pocos se quedan. Las piedras se resecan por falta de un hogar que las caliente cuando cae la helada.

Aassmaa Akhannouch
Nacida en Mequinez, vive y trabaja entre Francia y Marruecos. Tras obtener un título de ingeniería en Francia y un MBA en Estados Unidos, trabajó durante quince años en marketing antes de orientarse hacia la fotografía. En 2013 cursa estudios en la Photo Academy de Casablanca para profundizar en la fotografía digital y, en 2016, decide dedicarse plenamente a la creación fotográfica.
A través de sus imágenes explora la memoria y narra historias, fragmentos de recuerdos abiertos a las asociaciones y emociones del espectador. Su trabajo concede gran importancia a la copia y a la materialidad de la imagen, en una búsqueda de una impresión íntima y atemporal. Entre 2016 y 2018 fue acompañada en su investigación por la fotógrafa FLORE en el Atelier Photographique de L’Œil de l’Esprit, en París. Ganadora del Premio HSBC de Fotografía en 2021, su obra ha sido objeto de un libro y de una exposición itinerante.

Jaâfar Akil
En la serie «Restos de vidas», son sobre todo los múltiples restos encontrados a lo largo de mis deambulaciones los que me retienen en distintos lugares. Imágenes de lugares y/o lugares de imágenes que intento captar, construir pieza a pieza a partir de escenas reales y otras, cuando menos, irreales en un cotidiano eminentemente híbrido. En ellas estoy al acecho de signos y huellas de rostros y/o paisajes, de fragmentos de una ciudad como otros tantos fragmentos de vidas de individuos anclados y extraviados, orientados y desorientados.

Graziano Arici (Italia)
Fotógrafo italiano conocido por su trabajo en el ámbito cultural y artístico, especialmente en la documentación de la escena del arte contemporáneo y la arquitectura. Su obra combina registro documental y mirada personal, con una fuerte atención al contexto y la experiencia visual.

Adil Azemat
La obra fotográfica de Azemat Adil se concibe como el reflejo de una búsqueda cotidiana y constante de colores, sombras y líneas. Estos tres elementos ocupan siempre su mente de fotógrafo y captan inmediatamente su atención. Su trabajo fotográfico es también una búsqueda permanente de las identidades marroquíes y españolas, con un toque minimalista y una composición fluida y depurada. Estas imágenes fotográficas son pausas/instantes luminosos que ilustran el espacio mediterráneo con su cielo azul, sus sombras nítidas y sus líneas definidas.

Marta Azevedo (Brasil)
Fotógrafa brasileña nacida en Río de Janeiro, cuya obra se inspira en la cultura afrobrasileña con la que creció. Su trabajo explora la identidad, la belleza y las formas de vida de la comunidad negra desde una mirada cercana y comprometida.

Anna-Maria Baur (Austria)
Fotógrafa nacida en Innsbruck (1989) y afincada en Berlín, donde se formó en fotografía y posteriormente en arteterapia y psicoterapia. Su práctica se sitúa entre la imagen y la exploración emocional, integrando procesos creativos y psicológicos.

Didier Ben Loulou (Francia)
Es fotógrafo nacido en París que vive entre París y Jerusalén. Su obra, desarrollada durante más de cuarenta años, se centra en el Mediterráneo, la historia y la condición humana, con un uso destacado del color. Ha publicado numerosos libros y recibido becas como la Villa Médicis hors les murs. Su trabajo ha sido expuesto ampliamente en Europa y Estados Unidos y forma parte de colecciones como el Victoria & Albert Museum, el MoMA de Tel Aviv o la Maison Européenne de la Photographie.

Marisa Benito Crespo (España)
es licenciada en Bellas Artes y tiene un máster de investigación en Arte. Vive y trabaja en Córdoba, donde imparte Medios Audiovisuales en la Escuela de Arte “Mateo Inurria”. Compagina su actividad profesional con la creación audiovisual y la fotografía. La estética de su obra se genera a través de imágenes construidas desde la experiencia sensorial, lo imaginario y la memoria, así como desde el lenguaje fotográfico y cinematográfico.

Abdelghani Bibt
Abdelghani Bibt es un fotógrafo cuyo trabajo se centra en los márgenes urbanos y las transformaciones del paisaje periférico.
En su serie Instalación caótica, explora espacios suburbanos alejados de la planificación urbana: zocos abandonados, ruinas y construcciones improvisadas que revelan un caos visual cargado de memoria y emoción. Su práctica convierte estos entornos inestables en territorios estéticos, donde el deterioro y el desorden adquieren una belleza inesperada.
A través de la fotografía, propone una relectura de la ciudad contemporánea, destacando la resiliencia y el valor simbólico de sus espacios olvidados.

Romain Boutillier (Francia)
Artista nacido en París (1974) y afincado en Arlés, con formación en diseño gráfico y experiencia en teatro y cine. Su trayectoria multidisciplinar influye en una práctica fotográfica marcada por la puesta en escena y la construcción narrativa.

Sergio Bruno (Italia)
Fotógrafo (1974) centrado en la condición humana y las emociones que atraviesan la vida cotidiana. Utiliza la cámara como medio para capturar instantes y expresar su fascinación por la belleza, las dificultades y la intensidad de la experiencia humana.

Brian Cassey (Inglaterra)
Fotógrafo nacido en Londres y afincado en Cairns, Australia, especializado en fotoperiodismo y retrato. Ha documentado durante décadas a los pueblos aborígenes e isleños de Australia, además de realizar trabajos en otros lugares del mundo, combinando rigor documental y sensibilidad en sus imágenes.

Kelvin Chan (Malasia)
Fotógrafo nacido en Kuching (Sarawak, Malasia), especializado en fotografía comercial y de moda. Su práctica se centra en la construcción de imágenes cuidadosamente planificadas, desde la dirección de modelos hasta la postproducción, entendiendo la fotografía como un proceso creativo integral orientado a la creación de obras de carácter artístico.

Hind Chaouat
A través de «CasaBlues», la artista presenta fotografías de dimensiones variables que hacen referencia a las inundaciones de la capital económica en 2021. Con su trabajo, rinde homenaje a la elaboración de estrategias y planes de acción de resiliencia urbana.
De hecho, tras dos ciudades piloto, una experiencia inédita apoyada por el Banco Mundial, las estrategias locales deberían extenderse a todas las ciudades del Reino.

Sabrina Charehbili
Sabrina Charehbili es una fotógrafa y comisaria neerlandesa-marroquí afincada en Róterdam. Su obra se ha presentado internacionalmente en festivales como Rencontres d’Arles, Cross Lens Marrakech y Unseen Amsterdam. Ha sido finalista del People Photo Award y del NNC Gallery Challenge, recibió una mención especial en el Brussels Photo Award (2024) y fue seleccionada por la redacción de LensCulture (2026).
Su práctica se sitúa entre la puesta en escena y la observación documental, explorando la identidad, la memoria cultural y la presencia humana en el paisaje y el espacio social. Desarrolla un lenguaje visual preciso, simbólicamente contenido y de gran intensidad emocional.
Su trabajo investiga cómo la identidad se construye a través del paisaje, el gesto y la memoria heredada, generando imágenes que funcionan como encuentros íntimos y, a la vez, como espacios simbólicos compartidos.

Ricky Cohete (Ecuador)
Fotógrafo nacido en Ecuador y criado en Miami, cuya obra se caracteriza por el uso de la luz natural intensa. Autodidacta, centra su trabajo en el cuerpo —especialmente el masculino— explorando la identidad y la dualidad entre lo masculino y lo femenino en entornos abiertos.

Théo Combes (Francia)
Es fotógrafo formado en la École supérieure des métiers artistiques de Montpellier y en la escuela ETPA de Toulouse. Trabaja para la prensa y desarrolla proyectos personales centrados principalmente en el ámbito mediterráneo. En 2019 recibió la beca Laurent Troude por su serie Noire Méditerranée, dedicada a las cuestiones migratorias, presentada en 2021 en el Château d’Eau de Toulouse. También participó en el proyecto colectivo D’Oc, impulsado por la asociación Cétavoir y publicado por Lamaindonne. En 2022 fue seleccionado en la Grande Commande Photographique Radioscopie de la France. Actualmente continúa su trabajo a largo plazo sobre la localidad de Valras-Plage, titulado Un été de porcelaine, mientras desarrolla otros proyectos paralelos.

Joseph Crachiola (Estados Unidos)
Fotógrafo estadounidense centrado en el paisaje y la experiencia del territorio. Su obra explora la percepción, el tiempo y la memoria a través de imágenes sobrias y contemplativas.

Adam Docker (Inglaterra)
Fotógrafo y director de fotografía afincado en Londres, con más de 25 años de experiencia en cine. Su obra en fotografía de autor, documental y retrato se caracteriza por una mirada cinematográfica, construida a partir de viajes por más de 90 países y centrada en historias humanas y paisajes evocadores.

Maxim Dondyuk (Ucrania)
Fotógrafo y artista visual ucraniano (1983) cuyo trabajo explora la historia, la memoria y las huellas del conflicto. A través de fotografía, vídeo y materiales de archivo, construye narrativas visuales mostradas internacionalmente y publicadas en medios de alcance global.

Lynn Doran (Estados Unidos)
Fotógrafa estadounidense originaria de California, formada en un entorno de viajes y exploración desde los años 50. Su obra se centra en la documentación de culturas en transformación o en riesgo de desaparición, con un enfoque directo y sin puesta en escena. Trabaja desde la movilidad y la observación intuitiva para registrar experiencias humanas y paisajes culturales.

Renata Dutrée (Holanda)
Fotógrafa neerlandesa de bellas artes y exdermatóloga, cuyo trabajo explora las huellas emocionales del trauma y la vida interior. A través de imágenes simbólicas, aborda la mente y el alma como espacios de memoria y relato, con una trayectoria reconocida internacionalmente.

Annu Esko (Finlandia)
Fotógrafa finlandesa afincada en Helsinki, dedicada a la fotografía callejera y de viaje. Su trabajo capta momentos cotidianos y encuentros culturales desde una mirada cercana y espontánea.

Ari Espay (Chile)
Fotógrafo galardonado que divide su trabajo entre Nueva York y Santiago de Chile. Su práctica abarca el documental, la publicidad y el ensayo editorial, con proyectos realizados para publicaciones en Estados Unidos y América del Sur.

Agathe Fanny (Francia)
Fotógrafa francesa de retrato, con formación en fotografía analógica y experiencia en laboratorios fotográficos. Su trabajo se centra en la relación con las personas y la exploración de distintas culturas, con proyectos personales dedicados a la mujer, la juventud, la música y la naturaleza.

Harry Fisch (Francia)
Harry Fisch (Francia, Niza, 1952) ha dedicado su trayectoria a explorar el mundo a través de la imagen. Su trabajo, centrado en la fotografía de viajes y culturas, abarca más de 50 países documentados, con una mirada atenta a la diversidad humana y los paisajes que la configuran.
De carácter profundamente curioso y soñador, ha sido reconocido en diversos certámenes internacionales de fotografía de viaje y arte, consolidando una obra que combina sensibilidad estética y vocación exploradora.

Thibault Gerbaldi (Francia)
Fotógrafo autodidacta y viajero, centrado en la captura de relatos visuales marcados por la emoción y la autenticidad. Su trabajo ha sido reconocido en importantes premios internacionales de fotografía de viaje, consolidándolo como una de las voces emergentes en este ámbito.

Marlies Getz (Austria)
Fotógrafa austriaca formada en Viena, con reconocimiento internacional por su obra artística. Su práctica combina técnicas analógicas y digitales, con especial atención a la luz, la composición y la captación de la espontaneidad. Su trabajo busca transmitir profundidad emocional y abrir un diálogo con el espectador.

Laura Giammichele (Italia)
Artista visual italiana cuya práctica se centra en la fotografía y la experimentación con el medio. Su obra investiga la memoria, la identidad y la transformación de la imagen a través de procesos sensibles y poéticos.

Julija Goyd (Lituania)
Artista visual nacida en Vilna (1979) y afincada en Berlín, centrada en fotografía y vídeo. Su obra ha sido presentada en proyectos internacionales junto a referentes de la fotografía contemporánea y reconocida como una de las artistas emergentes destacadas en Europa.

Sergio Izquierdo
Fotógrafo de vida silvestre reconocido internacionalmente, que ha trabajado con National Geographic Latinoamérica y BBC. Es el fundador de Rescue The Planet, ha viajado por los siete continentes y sus imágenes han sido ampliamente publicadas y premiadas.

Melanie Jenkins (Nueva Zelanda)
Fotógrafa afincada en Auckland (Nueva Zelanda), fundadora de Flash Studios en 2000. Especializada en fotografía publicitaria y editorial, crea imágenes meticulosamente construidas —de moda, producto o interiores— combinando precisión técnica y una cuidada puesta en escena.

Liza Kanaeva-Hunsicker (Rusia)
Artista nacida en Moscú y afincada en Nueva York, cuya obra explora la complejidad de la feminidad desde una perspectiva íntima y directa. Formada junto a figuras como Steven Meisel, sus fotografías conectan lo personal y lo colectivo, y han sido publicadas y reconocidas internacionalmente, con libros presentes en colecciones como el MoMA o el MET.

Carine Krecké (Luxemburgo)
Artista y fotógrafa luxemburguesa cuyo trabajo explora la vigilancia, el poder y los conflictos contemporáneos. Destaca por proyectos basados en imágenes satelitales y tecnología digital, con un enfoque crítico y conceptual.

Paul Kroh (Holanda)
“La belleza del cuerpo humano va más allá de lo que vemos con los ojos. En mi trabajo como fotógrafo, busco la pureza, la vulnerabilidad y la fuerza que reside en cada persona. A través de la fotografía, capturo no solo las formas, sino también el alma y la historia de las personas extraordinarias que tengo el privilegio de fotografiar. Cada cuerpo cuenta una historia única: desde imperfecciones que son perfectas hasta emociones que pueden sentirse a través de la lente. Mi trabajo consiste en celebrar la diversidad, abrazar la autenticidad y romper tabúes. Esto es más que fotografía. Es una oda al ser humano.”

Kim Lang (Luxemburgo)
Fotógrafo contemporáneo afincado en Londres, conocido por sus retratos teatrales que exploran la identidad y la individualidad. Nacido en Luxemburgo, su obra está influida por una infancia marcada por los viajes y el contacto con diversas culturas, lo que alimenta su interés por la narrativa visual, la historia y el retrato.

Mohammed Mali
El ojo «pastorea» la superficie de la imagen, a veces enganchado, a veces nutrido por la riqueza y la complejidad de las construcciones que se le ofrecen a la vista.
Los «relámpagos» cegadores de MALI desgarran literalmente la oscuridad (¡lightning strikes!), como potentes faros que nos guían hacia un más allá necesariamente fuera de campo, del que a menudo vemos dibujarse el trazado que conduce a él, sin sospechar su desenlace.
De Nueva York a Marruecos hay más que un océano. Sin embargo, es al otro lado del Atlántico donde vive Saul LEITER, un posible alter ego neoyorquino de Mohammed Mali. Es fácil establecer vínculos entre las obras de Mohammed MALI y las de Saul LEITER. Ambos fascinados por la organización plástica de las formas y su resonancia con el color y la luz, MALI y LEITER mantienen con la realidad una relación, cuando menos, distanciada. Nada de documental en sus imágenes. Son el soporte de la visualidad pura y de un sueño despierto. Curiosamente, tanto uno como otro no tienen la ambición de alcanzar la gloria ni la celebridad; humildes y discretos, comparten ese mismo gusto por la mesura y la sombra. El privilegio de los verdaderos grandes maestros. Ahora bien, pese a esta identidad común y al doble amor que ambos profesan por la sombra y la luz, ha llegado el momento de situarse bajo los focos. ¡Lightning strikes not once but twice, Mr. MALI!

Dario Mannucci (Italia)
Fotógrafo italiano (1982) centrado en el documental social, con especial atención a cuestiones de cultura e identidad. Su trabajo aborda la experiencia humana desde una mirada observacional y contemporánea.

Jamal Mehssani
Estas fotografías trazan una conversación silenciosa entre el hombre y la arquitectura inmóvil de la ciudad, revelando un sutil juego entre dos velocidades contradictorias. En este ballet visual, una ciudad se agita, acelerada, casi febril, mientras otra, más secreta, se estira lentamente, bañada en un silencio sobrecogedor. Las siluetas, captadas en ese entre-dos, parecen flotar en un espacio donde reinan el vacío y la blancura, evocaciones literarias y poéticas de una realidad suspendida. Aquí, la piedra y el asfalto susurran su historia, pero el ritmo se divide: el tumulto de la modernidad convive con la calma de una existencia detenida, marcada por gestos y posturas impregnadas de una indiferencia meditativa. La nostalgia encuentra aquí su refugio, un retorno al pasado como un flashback en el que la ciudad, liberada de la frenética contemporaneidad, revela una lentitud poética, imponiendo un viaje hacia una memoria colectiva donde la velocidad desenfrenada del mundo moderno aún no tiene cabida.

Lea Meienberg (Suiza)
Fotógrafa suiza (1982) afincada en Zúrich, especializada en retrato y reportaje. Su trabajo ha sido publicado en medios internacionales como The New York Times o Die Zeit, y ha desarrollado proyectos en Europa, Asia y África, recibiendo reconocimientos como el Prix de la Photographie Paris.

Mascha Meijer (Holanda)
Artista que trabaja con fotografía y medios mixtos, explorando las capas ocultas de la experiencia humana. A partir de imágenes fotográficas, incorpora materiales como textiles para construir composiciones sensibles que abordan la memoria, la emoción y lo que permanece bajo la superficie.

Juan Molpeceres & Jairo Muñoz (España)
Miembros de La Grieta colectivo, trabajan desde una fotografía crítica y social que pone en cuestión las brechas políticas y urbanas de nuestro tiempo.

Bianca Lea Morra (Estados Unidos)
Artista visual que explora el autoconocimiento a través de la imagen como herramienta de presencia y conciencia. Su práctica se sitúa entre arte y experiencia interior, utilizando la fotografía como vía de activación, memoria y transformación personal.

Hassan Nadim
Como señala Abderrahim Kamal: «Las fotografías de Hassan Nadim tienen […] de singular que la percepción de la ciudad pasa, para él, por una especie de puesta en pantalla de lo real percibido. El fotógrafo interpone entre él y lo que quiere captar una pantalla (un cuerpo transparente —¿un cristal?— alterado por el efecto de la luz, del agua o simplemente de grietas que borran). Sin embargo, en esta puesta a distancia hay un efecto de aprehensión subjetiva. Hay al mismo tiempo apropiación (personal) y conciencia de cierta “espectacularidad” de la vida y, por tanto, de su inconsistencia, su evanescencia inmaterial…».

Kazimierz Nowak
Kazimierz Nowak (1897–1937) fue un viajero, fotógrafo y periodista polaco, conocido por su extraordinaria expedición en solitario a través de África entre 1931 y 1936. Impulsado por un inagotable espíritu de aventura, recorrió más de 40.000 kilómetros en bicicleta, a caballo, en barca, en caravana de camellos y a pie, convirtiéndose en una de las primeras personas en cruzar el continente africano de norte a sur y regresar completamente solo. Durante el viaje documentó paisajes, fauna y la vida cotidiana de numerosas comunidades locales a través de más de 10.000 fotografías y crónicas publicadas en la prensa polaca y alemana. Su travesía, realizada en un periodo marcado por la crisis económica y la expansión colonial, destaca no solo por su resistencia física, sino también por su mirada profundamente humanista, basada en el respeto hacia los pueblos africanos y la naturaleza. Kazimierz Nowak falleció poco después de regresar a Polonia, dejando un valioso e irrepetible testimonio visual y literario de la África de entreguerras.

Isabel Oliver (España)
Artista española vinculada al arte feminista y político desde los años 70. Su obra cuestiona los roles de género y los modelos sociales mediante lenguajes gráficos directos y comprometidos.

Rodrigo Palma (Mexico)
Fotógrafo nacido en Ciudad de México (1983), cuya obra construye narrativas visuales a partir de la emoción y la sugerencia. A través de la composición, las texturas y el uso del espacio, genera imágenes que evocan historias latentes y buscan una conexión sensorial con el espectador.

Rachel Portesi (Estados Unidos)
Fotógrafa cuya obra reciente explora las transformaciones de la identidad femenina en relación con la maternidad, el envejecimiento y la elección. Ha expuesto internacionalmente y su trabajo ha sido reconocido con premios como el Julia Margaret Cameron Award y el Rhonda Wilson Award, además de aparecer en medios como Vogue o Forbes.

Pau Roca (España)
Es músico y fotógrafo. Forma parte del grupo indie español La Habitación Roja, con el que lleva más de 25 años de trayectoria. Formado en Imagen y Sonido, desarrolla también una práctica fotográfica vinculada a la música. Ha publicado el libro B, un diario visual de gira que recoge su experiencia dentro del grupo y su mirada fotográfica.

Julianne Rose (Australia)
Fotógrafa australiana afincada en París, con una trayectoria de más de 25 años. Su obra, de gran formato y carácter provocador, explora la identidad, el género y la representación mediante escenografías, máscaras e instalaciones, cuestionando los cánones de belleza desde una perspectiva crítica y feminista.

Giovanni Sacco (Italia)
Fotógrafo italiano centrado en el retrato y la exploración de la identidad contemporánea. Su trabajo combina sensibilidad estética y enfoque narrativo, abordando la relación entre individuo, imagen y contexto social.

Jürgen Schadeberg (Alemania / Sudáfrica)
Fue un fotógrafo germano-sudafricano, considerado una figura clave en la historia de la fotografía en Sudáfrica. Conocido como “el padre de la fotografía sudafricana”, su obra documentó con profundidad el contexto social y político del apartheid. Sus retratos de figuras como Miriam Makeba y Nelson Mandela se han convertido en imágenes icónicas del siglo XX.

Efrat Sela (Israel)
Fotógrafa y arquitecta de interiores nacida en Jerusalén (1964), cuya obra se centra en las personas, la cultura y las cuestiones sociales. Desde una mirada crítica y emocional, desarrolla proyectos documentales influidos por el contexto político y la diversidad de la sociedad israelí.

Eliška Sky (Rep. Checa)
Artista checa afincada en Londres que trabaja con la fotografía desde una estética vibrante y surrealista. Su obra combina color, formas y cuerpo humano para explorar la diversidad, la sostenibilidad y nuevas formas de belleza inclusiva.

Carolien van Schie (Holanda)
Fotógrafa de bellas artes cuya obra se inspira en la pintura clásica, especialmente en bodegones y retratos. A través de una cuidada iluminación —influida por Rembrandt— y composiciones meticulosas, crea imágenes de atmósfera atemporal, centradas en la luz, el color y la emoción.

Jansen van Staden (South Africa)
Fotógrafo cuya práctica se basa en la exploración personal y la observación crítica de lo social. A través de imágenes espontáneas y narrativas construidas desde la experiencia, aborda temas como la identidad, el sentido de pertenencia y las estructuras sociales.

Misha Tazi
«El cuerpo del alma y el alma del cuerpo no están ocultos, y sin embargo ningún ojo mortal revela el alma».
Así se expresaba el gran pensador sufí Jalal al Din Rumi. Los derviches giróvagos, adeptos de esta filosofía, nos conducen con sus giros gráciles hacia un mundo espiritual fuera del tiempo.
Misha Doukkali Tazi cree en el poder del alma, en ese pequeño aliento divino que conecta el gesto con el espíritu. Nacida en 1967 en Casablanca, deja Marruecos a los 14 años para vivir en París, Kinshasa y posteriormente Montreal, donde estudia Ciencias Políticas en la Universidad de Montreal.
La fotografía fue para ella un medio de fijar las emociones que observa de forma continua, inicialmente a través del retrato. Se adentra en el estudio de los juegos de luz y sombra gracias a su pasión por los maestros del claroscuro como Caravaggio o Rembrandt. El movimiento es constante en sus imágenes; es su motor de trabajo.

Benkirane Thami (Marruecos)
Es fotógrafo activo desde 1976. Ha expuesto en Marruecos y en diversos países de Europa, África y Oriente Medio. Participó en el Año de Marruecos en Francia (1999), en los Encuentros de Bamako (2003) y en la exposición inaugural del Museo Mohammed VI de Rabat (2014-2015). Entre sus muestras recientes destaca White Writing (Siracusa, 2020).

Dorit Thies (Alemania)
Fotógrafa alemana formada en un entorno rural, conocida por su uso expresivo de la luz, el color y elementos escenográficos en sus imágenes. Desde los años 90 ha desarrollado una trayectoria en la fotografía de bellas artes y la fotografía comercial, colaborando con marcas y publicaciones internacionales como Estée Lauder y ELLE, y realizando exposiciones en Estados Unidos.

Tony Tirado Darder (España)
Vive y trabaja en Vila-real (Castellón) como fotógrafo, diseñador gráfico y publicista. Su práctica artística explora las tensiones del mundo contemporáneo a través de la imagen.
En Oxímoron, parte de esta figura retórica para confrontar dos realidades opuestas: paisajes áridos frente a territorios donde el agua es protagonista. A lo largo de más de tres años y en distintos países, su trabajo dialoga especialmente con la fragilidad de los territorios mediterráneos, donde la escasez hídrica y la desertificación conviven con una memoria de abundancia.
Sus imágenes plantean así una reflexión sobre el cambio climático, generando en el espectador una tensión entre pérdida y esperanza.

Maryam Touzani (Países Bajos)
es una artista visual que investiga la identidad diasporica y el desarraigo. Hija de inmigrantes marroquíes amazigh, examina su herencia desde el cruce con la cultura neerlandesa, atendiendo a tensiones y solapamientos.
Su trabajo, entre fotografía y archivo, aborda cómo las historias se preservan, mutan o se silencian, construyendo lenguajes visuales sobre ausencia, resiliencia y supervivencia.
Graduada en 2023 en la Royal Academy of Art de La Haya, fue seleccionada como Foam Talent 2024–2025. Su obra ha sido publicada en Foam Magazine y expuesta internacionalmente. Trabaja además como editora fotográfica en NRC, lo que refuerza su interés por el poder narrativo de la imagen.

Alex Tsarfin (Israel)
Fotógrafo cuya obra se centra en la representación del cuerpo femenino desde una mirada natural y contenida. Su trabajo explora los conceptos de belleza y percepción, cuestionando los estándares culturales para revelar una estética más auténtica y ligada a la identidad personal.

Amelia Troubridge (Inglaterra)
Fotógrafa británica (Londres, 1974) que inició su carrera en los años 90 documentando subculturas y comunidades en las islas británicas. Su obra se ha mostrado en instituciones como The Photographers’ Gallery o Photo London y ha publicado varios libros y fanzines centrados en la vida contemporánea y la identidad.

Vansalaman (España)
Fotógrafo español (Enrique Medina) afincado en Japón desde 2018, centrado en la fotografía callejera. Su trabajo, influido por Daido Moriyama y Mark Cohen, capta escenas urbanas espontáneas con un estilo de alto contraste y granulación intensa. Ha expuesto internacionalmente y ha sido reconocido en certámenes como Trieste Photo Days.

Zhang Wei (China)
Artista nacido en Shaanxi (China, 1977) y afincado entre Nueva York y Pekín. Su trabajo fotográfico explora la identidad y las construcciones sociales mediante técnicas de re-fotografía y collage digital, cuestionando los roles sociales y la representación en la era digital.

Italo Zannier (Italia)
Es un fotógrafo y uno de los mayores expertos en fotografía italiana. Fundador del primer curso universitario de historia de la fotografía en Italia, dedicó su carrera al estudio y difusión del neorrealismo italiano y la cultura visual contemporánea.

Actividades

VALENCIAPHOTO 2026
PAÍSES MEDITERRÁNEOS

ACTIVIDADES

6 DE MAYO

12:00
PRESENTACIÓN DE VALENCIAPHOTO
Palau de Cervelló Plaça de Tetuán 3
46003 València

7 DE MAYO

18:00
INAUGURACIÓN OFICIAL DE VALENCIAPHOTO
Conferencias
NICOLÁS LLORENS LEBEAU
Director de ValenciaPhoto
MAGALI BLÉNET
Directora de Le Chateau d’Eau, Toulouse
THÉO COMBES
Fotógrafo
Centre del Carme Cultura Contemporània
C/del Museu 2-4 46003 València

8 DE MAYO

12:00
Presentación de libros
UNA APROXIMACIÓN A LA EDICIÓN DE
LIBROS DE FOTOGRAFÍA DE MARRUECOS
EL LIBRO DE FOTOGRAFÍA EN ITALIA
Y PORTUGAL
Biblioteca Pública de València Pilar Faus
C/del Hospital 13 46001 València

9 DE MAYO

12:00
Presentación de libros
UNA APROXIMACIÓN A LA EDICIÓN DE
LIBROS DE FOTOGRAFÍA DE MARRUECOS
FNAC C/Guillem de Castro 9-11
46007 València

17:00
Jornada de conferencias
NADIA SABRI
Directora del Museo Mohamed VI de Arte Moderno y
Contemporáneo de Rabat
ABDELLAH OUSTAD
Director de Les Rencontres de la Photographie de Marrakech
JAAFAR AKIL
Director de Les Rencontres de la Photographie de Rabat
+ARTISTAS INVITADOS
Proyecciones y coloquio
Fundación Mediterráneo.
La Llotgeta Centre Fotogràfic
Plaça del Mercat 4 46002 València

10 DE MAYO

11:00
VISITAS GUIADAS VALENCIAPHOTO
RECORRIDO FOTOGRÁFICO POR EL CENTRO DE VALENCIA
Punto de encuentro en la exposición de la Plaça
del Ajuntament de València

11 DE MAYO

17:00
Presentación de libros
EL LIBRO DE FOTOGRAFÍA EN VALENCIA
ENCUENTRO CON XAVIER MOLLÀ

12 DE MAYO

CANCELADO
17:00
CONVERSACIONES CON
DIDIER BEN LOULOU
Fundación Cañada Blanch
C/ Jorge Juan 4-2-2 46004 València

13 DE MAYO

18:30
ENTREGA DEL I PREMIO
UNIVERSITAT DE VALÈNCIA-PUNCTUM
COLECTIVA
Centre Cultural La Nau
C/de la Universitat 2 46003 València

15 DE JUNIO

19:00
Estreno documental
BRECHAS
Octubre Centre de
Cultura Contemporània
C/de Sant Ferran 12 46001 València

19 DE JUNIO

19:30
Obra de Teatro
HANNAH.
UNA MIRADA A SUS RAÍCES
Octubre Centre de
Cultura Contemporània
C/de Sant Ferran 12 46001 València

Programa