Aitor Ortiz
Aitor Ortiz (Bilbao, Vizcaya, 1971) es un fotógrafo español, Gran Premio de Honor de la Bienal de Arte de Alejandría en 2001 y Premio ABC de Fotografía en 2002, que investiga con las cualidades y limitaciones del medio fotográfico trascendiendo el propio documento. Trabaja con el espacio, la arquitectura y el objeto como elementos de partida para plantear una serie de incógnitas visuales y cognitivas.
Alberto García-Alix
Alberto García-Alix nace el 22 de marzo de 1956 en León. Sus primeros negativos datan del año 1976. A principios de los ochenta realiza sus primeras exposiciones individuales en galerías madrileñas como la Galería Buades o la Galería Moriarty, y en otras internacionales como la Portfolio Gallery de Londres.
Durante la primera edición de PhotoEspaña, en 1998, realiza una gran exposición retrospectiva, con enorme éxito de público y crítica. Recibe el Premio Nacional de Fotografía del Ministerio de Cultura español en 1999, época en la que comienza a trabajar con las galerías Juana de Aizpuru en España y Kamel Mennour en Francia.
Entre 2003 y 2006 reside en París donde realiza una trilogía en video alternando imagen fotográfica y filmada que representa la incursión del artista en el formato vídeo, disciplina que continúa desarrollando también en la actualidad.
En 2009 presenta una exposición retrospectiva en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía así como en el Ullens Center de Pekín y en la Maison de la Photographie de Moscú. En los últimos años sus trabajos se han mostrado en prestigiosas sedes nacionales e internacionales como la Maison Européene de la Photographie de París, la Photographers’ Gallery de Londres, el Museo de Arte Contemporáneo de León, el centro Tabacalera Promoción del Arte de Madrid y el Museo del Prado. Además, su obra se encuentra en los fondos de grandes colecciones como los del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (España); los Fonds Nationales d’Art Contemporain (Francia) o la colección de la Deutsche Börse (Alemania).
En 2017, PhotoEspaña le concede una «carta blanca» como comisario que le permite convocar, bajo la temática de «lo sublime y lo heterodoxo», a los fotógrafos internacionales Paolo Nozolino, Antoine d’Agata, Pierre Molinier, Teresa Margolles, Karlheinz Weinberger y Anders Petersen, siendo la muestra expositiva de Petersen la más visitada en los veinte años de historia del festival.
Entre sus proyectos expositivos más recientes destacan: «Expresionismo feroz», una colección de fotografías inéditas, realizadas a lo largo de los últimos años, que ha mostrado en diversos países de Latinoamérica (Uruguay, Argentina y República Dominicana) en 2018, en el Multimedia Art Museum de Moscú (Rusia) en 2019, en el Centre Potographique Hôtel Fontfreyde de Clermont-Ferrand (Francia) en 2022 y en La Térmica de Málaga en 2023; y «Fantasías en el Prado», exposición en la que, partiendo de la pinacoteca que alberga el Museo del Prado, crea su propio imaginario, utilizando la técnica de la múltiple exposición sobre película analógica. Trabajo que se ha expuesto en el Real Jardín Botánico de Madrid, con motivo del Premio a la Trayectoria concedido por la Fundación Enaire y dentro de la XXV edición del festival PHotoEspaña 2022, y en las Naves de Gamazo de Santander (2023).
García-Alix ha compaginado su actividad fotográfica con la de editor, siendo fundador de la revista cultural “El Canto de la Tripulación” (1989 a 1997). En la actualidad, es cofundador de la editorial Cabeza de Chorlito, junto con Frédérique Bangerter, sello bajo el que ha publicado algunas de sus creaciones más recientes: El paraíso de los creyentes (2011); Diaporamas (2012); MOTO (2015), Motorcycle Family Circus nº 1, nº 2 y nº 3 (2016, 2018, 2021), y Archivo Nómada (2023).
Audra Vau
Audra Vau es una artista transdisciplinar lituana nacida en 1970 en Vilnius, Lituania. Estudió en la Escuela Nacional de Arte M. K. Čiurlionis de Vilnius. Vive y trabaja principalmente en Lituania y Londres.
Aurelija Urbonavičiūtė, Neringa Rekašiūtė, Berta Tilmantaitė, Rūta Meilutytė, Andrius Repšys
La actuación artística «Swimming Through» se llevó a cabo cerca de la Embajada de Rusia en Vilnius. La actuación tiene como objetivo fomentar acciones más activas para salvar al pueblo de Ucrania del genocidio llevado a cabo por Rusia.
Es una invitación a no apartarnos del dolor, a no quedarnos como un observador indiferente. Este es un llamado a seguir defendiendo a las personas que actualmente están siendo torturadas, violadas, asesinadas, a defender los valores democráticos fundamentales de las personas, el derecho a la libertad ya la vida. El charco de sangre atestigua la responsabilidad de Rusia por los crímenes de guerra en Ucrania. El esperanzado nado a través de la sangre de la campeona olímpica Rūta Meilutytė simboliza los esfuerzos constantes, incansables e incesantes por nadar.
Bleda y Rosa
María Bleda (Castellón 1969) y José María Rosa (Albacete 1970) trabajan de forma conjunta desde hace tres décadas, explorando, a través de una rigurosa y profunda investigación, el vínculo existente entre imagen, lugar y memoria. Campos de fútbol, Campos de batalla, Origen o Prontuario son algunas de las series fotográficas mas relevantes en su trayectoria. Con ellas han ido desarrollado un lenguaje propio, entre lo visual y lo textual, que les permite volver una y otra vez sobre uno de sus mayores focos de interés: la representación del territorio.
En 2008 fueron galardonados con el Premio Nacional de Fotografía.
Bernard Tartinville
Bernard ascendió por primera vez al Mont-Blanc en 1987, unas semanas antes de ingresar en la Escuela de Artes Aplicadas de Vevey, en Suiza, donde cursó sus estudios de fotografía durante cuatro años.
La precisión y el rigor de esta formación le encaminaron de forma natural a la fotografía publicitaria y de moda, campos a los que se dedicó durante muchos años en París.
En la actualidad está afincado en Barcelona y ofrece sus servicios y su experiencia a empresas y directivos que quieren encargar retratos de calidad.
Bernard está especializado en fotografía panorámica a 360o. Con estas tomas elabora visitas virtuales interactivas con un alto nivel de detalle de museos, hoteles y patrimonio arquitectónico, histórico y religioso. Su trabajo lo ha utilizado y lo ha puesto de ejemplo de mediación digital el Ministerio de Cultura con ocasión de las Jornadas Europeas del Patrimonio de 2017.
Como el primer amor nunca se olvida, enseguida comprendió que esta tecnología podía resultar muy interesante para dar a conocer y promover parajes naturales excepcionales, y así ha conseguido aunar el montañismo con su profesión. Ha confeccionado visitas virtuales inmersivas de diferentes cimas del macizo del Mont Blanc.
Las fotografías de esta exposición están extraídas de esas visitas virtuales. Varias de ellas han resultado premiadas en diferentes ediciones de los Epson International Pano Awards (actualmente, el mayor concurso de fotografía panorámica). Este año, también han resultado premiadas dos fotografías, una de ellas ha quedado en 4.a posición (se habían presentado 1.197 fotógrafos de 98 países, con 4.129 fotos).
Las imágenes de esta exposición no podían haber encontrado un mejor destino, ya que, en colaboración con la asociación «Baskets Aux Pieds», que trabaja en un gran número de hospitales en Francia y Suiza, han llegado a muchas consultas de Hematología y Oncología Pediátrica. Con unos cascos de realidad virtual, los pequeños pacientes pueden distraerse durante un rato de los tratamientos y del dolor y sumergirse en unos parajes naturales de excepción.
El trabajo de Bernard ha llamado la atención de la prestigiosa marca de cámaras fotográficas Leica, que le ha nombrado embajador.
Desde que tiene la licencia de piloto profesional de drones, Bernard no solo ha cogido altura para conseguir nuevos puntos de vista, sino que también ha ampliado su actividad con la modelización en 3D de edificios por fotogrametría o con la cartografía.
Cécile Plaisance
Cécile Plaisance, nacida en 1968 en París (Francia), es una fotógrafa francesa contemporánea.
Es particularmente conocida por sus fotografías lenticulares, una técnica que utiliza lentes especiales para crear imágenes que cambian según el ángulo de visión.
Esta técnica le da a sus fotografías una calidad casi cinematográfica, creando una experiencia inmersiva y atractiva para el espectador.
Sus fotografías son a menudo abstractas y experimentales, utilizando colores brillantes y formas geométricas para crear composiciones intrigantes.
Chema Madoz
Nació en 1958 en Madrid, su nombre real es José María Rodríguez Madoz. Entre los años 1980 y 1983 cursó Historia del Arte en la Universidad Complutense de Madrid que simultanea con los estudios de fotografía en el Centro de Enseñanza de la Imagen. La Real Sociedad Fotográfica de Madrid expuso la primera muestra individual del autor en el año 1984. En 1988 la Sala Minerva del Círculo de Bellas Artes (Madrid) inauguró su programación de fotografía con una exposición de sus trabajos. Dos años después, en 1990, comenzó a desarrollar el concepto de objetos, tema constante en su fotografía hasta la fecha. En 1991 el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía mostró la exposición «Cuatro direcciones: fotografía contemporánea española» que llevará de manera itinerante por varios países. Ese mismo año recibió el Premio Kodak. En 1993 recibió la Bolsa de Creación Artística de la Fundación Cultural Banesto.
La Editorial Art-Plus de Madrid editó en 1995 su primera monografía: el libro Chema Madoz (1985 – 1995). Tres años más tarde es la Editorial Mestizo, A. C., de Murcia quien le publica un tomo al artista, el libro titulado Mixtos – Chema Madoz.
En 1999 el Centro Gallego de Arte Contemporáneo de Santiago de Compostela mostró la exposición individual de trabajos realizados entre 1996 y 1997. A finales de ese año, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía le dedicó la exposición individual «Objetos 1990 – 1999», que se configura como la primera muestra retrospectiva que este museo dedica a un fotógrafo español en vida.
En el 2000 el fotógrafo madrileño recibió el Premio Nacional de Fotografía de España. Ese mismo año la Bienal de Houston Fotofest le reconoce como «Autor Destacado». Su obra sobrepasa las fronteras españolas llegando no solo a la ciudad norteamericana sino también hasta el Chateau d´Eau de Toulouse (Francia). Ese año recibió el premio Higashikawa en Japón.
Cristina de Middel
Cristina de Middel (Alicante, 1975) es una fotógrafa documental y artista española que vive y trabaja a caballo entre Brasil, México y España. Ha trabajado como fotoperiodista para diferentes periódicos españoles y ONG antes de decidir dedicarse a un trabajo más artístico y personal. Es Premio Nacional de Fotografía 2017. En 2022 fue nombrada Presidenta de la Agencia Magnum.
Jacques Barbier – Élise Pic
Su galería Le commun des mortels reúne al trío Jacques Barbier – Élise Pic y su colección de fotografías vernáculas.
Su pasión: la foto encontrada, huérfana, reducida al silencio, modesta, sin pretensiones artísticas, cruda e imperfecta
Su trabajo: encontrar-mover-reunir-clasificar-preservar-mostrar
Su credo: mira, verás
2023 vintage photo festival Bydgoszcz Polonia 2023 atelier galerie kloug Toulouse Francia 2022 Revela’T Barcelona España 2021 common place Toulouse Francia 2019 torre de agua Toulouse Francia 2018 verano fotográfico Lectoure Francia 2016-2017 Lussan 1000 fotos Francia
Émile Zola
Émile Zola deja una magnífica obra fotográfica, recogida entre varias colecciones prestigiosas, como la del Museo D’Orsay o el Chateau d’Eau de donde procede esta exposición.
Su interés por los cambios de París: trenes, barcos, tiendas y la Exposición Universal de 1900 con una reciente tour Eiffel, se convierte en un importante testimonio de las grandes novedades que aparecen en la ciudad.
Pero lo más importante de la obra de Émile Zola, es la esfera familiar. Cientos de retratos con escenas simples y complejas que siempre buscan una luz precisa.
Greta Griniūtė
Greta Griniūtė es una escritora y directora lituana con una inclinación natural hacia la comedia. Se aventuró al Reino Unido después de la secundaria para estudiar teatro físico y actuación. La búsqueda de sus sueños la llevó a Los Ángeles, donde obtuvo una beca para estudiar cine, y su talento floreció con la creación de su primer cortometraje ‘Tickle My Pickle’, que se proyectó en festivales de todo el mundo, incluido LA Shorts. La maestría de Greta en dirección de ficción de la Universidad Goldsmiths de Londres le permitió crear ‘Rice & Bread’, que se estrenó en POFF Shorts en 2020.
Su primer guión de largometraje, ‘Independent Child’, se formó en el prestigioso Torino Film Lab y Mediterranean Film Lab. En reconocimiento a sus logros artísticos, Greta recibió el estatus de artista oficial del Ministerio de Cultura de Lituania en 2023″.
Héctor Murgui
Valencia 2001.
Realiza sus estudios de fotografía en Espai d’Art Fotogràfic, cursando el Diploma de Estudios Fotográficos de dos años de duración. Cursa además, durante un año, el Máster en Fotografía: Producción y Creación, presentando un proyecto designado como el mejor trabajo de su edición por un jurado de expertos en arte y fotografía compuesto por Francesc Vera, Silvia Martí y Boye Llorens.
Este trabajo, basado en una experiencia personal y titulado Auream Culpam gira en torno a la relación entre la fotografía y la pintura. Supone una revisión de los clásicos de la pintura flamenca.
Su trabajo profesional se centra en la fotografía médica del que cabe destacar su proyecto Asclepios, el arte de curar, en el que consigue unir la medicina y el arte.
En 2022 se incorpora al equipo de profesorado de Espai d’Art Fotogràfic impartiendo las asignaturas de Retoque y Tratamiento de la imagen y de Cine.
Sus obras han sido exhibidas en diversas exposiciones individuales y colectivas, tanto en su ciudad natal, como en otras ciudades de España.
Isabel Muñoz
Isabel Muñoz Vilallonga (Barcelona, 1951), conocida como Isabel Muñoz, es una fotógrafa española reconocida con algunos de los más prestigiosos premios nacionales e internacionales: dos World Press Photo, en 1999 y en 2004; el Premio PHotoEspaña y Medalla al Mérito de las Bellas Artes en 2009, y el Premio Nacional de Fotografía de España 2016. Su obra se caracteriza por una búsqueda constante de la belleza y el lenguaje de los cuerpos, por lo que algunos la han llamado «retratista del cuerpo».
Janas Bulhakas
En 1905-1912, Janas Brunonas Bulhakas comenzó a estudiar fotografía de manera constante, en 1912 Realizó cursos de fotografía con Hugo Erfurth en Dresden (Alemania) y en 1912 abrió su taller en Vilnius e, inspirado por Ferdinand Ruszczyc, comenzó a inventariar los monumentos arquitectónicos del casco antiguo de Vilnius y, más tarde, de toda Polonia. Continuó el inventario de monumentos hasta 1944. y acumuló unas 10.000 obras.
Las fotos se clasifican como un estilo impresionista. Más tarde, el estilo de las fotografías de J. Bulhak se denominó pictorialismo (lit. pictórico). 1920-1930 tomó muchas fotos de Vilnius y sus alrededores. Hizo un inventario del patrimonio arquitectónico del casco antiguo de Vilnius dos veces, la primera vez en 1912-1919, la segunda vez, en 1944. en los meses de julio-septiembre, según orden del Ejército Rojo, hizo un inventario de los daños causados a la ciudad de Vilnius durante las hostilidades.
Desde 1931 escribió cuatro libros sobre fotografía antes de su muerte. Fundó el primer estudio de fotografía profesional en Vilnius y lo dirigió. Publicó más de 100 artículos sobre estética fotográfica, dejó tras de sí cientos de valiosas imágenes fotográficas. en 1927 En Vilnius, fundó la Asociación de amantes de la fotografía y el Vilnius Photo Club. Dio conferencias sobre arte fotográfico en el departamento de fotografía artística establecido en la Universidad de Vilnius, que se convirtió en la primera escuela de arte fotográfico profesional. Se autodenominaba fotógrafo, en otras palabras, fotoartista, y buscaba que la fotografía fuera reconocida y apreciada como un campo artístico profesional.
El Museo de Arte M. K. Čiurlionis también tiene fotos de Janas Brunonas Bulhakas de las colecciones del coleccionista de arte Vladas Daumantas.
Javier Campano
Javier Campano (Madrid, 1950), es un fotógrafo español. Destaca su exposición retrospectiva Hotel Mediodía, Madrid en 2004 o Campano en color en la Sala Canal de Isabel II, Madrid en 2017. La Comunidad de Madrid le otorgó el Premio Cultura 2013 en la categoría de Fotografía. Su obra se encuentra representada en colecciones como Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Museo de Teruel, Fundación Telefónica, Fundación La Caixa, Banco de España o Comunidad de Madrid.
Javier Vallhonrat
Nace en Madrid en 1953. Finaliza los estudios la licenciatura de Bellas Artes en 1984. En 1995 recibe el Premio Nacional de Fotografía otorgado por el Ministerio de Cultura de España. Desde 1997 es profesor en la Facultad de Bellas Artes de Cuenca.
Jeff Robb
Jeff Robb trabaja en una variedad de medios que incluyen fotografía, pintura, escultura, holografía, cine, instalaciones de luz láser y sonido. Robb es actualmente más conocido por su trabajo fotográfico centrado en el desnudo femenino y las formas abstractas en el espacio, que realiza en serie. Jeff Robb se muestra en galerías y ferias de arte de todo el mundo.
Jérôme Sessini
Jerome Sessini es uno de los nombres más prolíficos y respetados del mundo que trabaja en el delicado campo de las zonas de conflicto, y ha sido enviado a países devastados por la guerra como Palestina, Irak, Líbano, Siria y Libia para publicaciones internacionales. Además de informar en primera línea, ha cubierto temas sociales como la violencia relacionada con las drogas en las calles de México, las protestas antigubernamentales en Ucrania y las minorías indígenas en Camboya que enfrentan desalojos forzosos. A través de su trabajo está en constante aprendizaje, adaptación y evolución.
La carrera fotográfica de Sessini comenzó en 1998 en París, cuando la agencia de fotografía Gamma le dio la oportunidad de cubrir el conflicto en curso en Kosovo. Desde entonces, ha cubierto muchos eventos internacionales importantes y trascendentales: trabajo en Palestina, Irak (de 2003 a 2008), cubriendo la caída de Aristide en Haití (2004), la conquista de Mogadiscio por las milicias islámicas y la guerra en el Líbano (2006). En 2008, Jerome Sessini inició el proyecto mexicano Tan lejos de Dios, demasiado cerca de Estados Unidos, una inmersión en la guerra de los cárteles de la droga en México. Este proyecto aún en curso ya ha sido galardonado dos veces con el F-Award y una Getty Grant. El proyecto se publicó como monografía, The Wrong Side (2013).
Desde 2018, Sessini ha estado documentando la crisis de los opioides en los Estados Unidos, donde ha viajado a Ohio y Filadelfia para crear retratos íntimos de las personas y los lugares devastados por el uso indebido de drogas. En 2017, Sessini viajó a pueblos remotos de Camboya con Samrith Vaing, documentando la vida de las minorías indígenas que enfrentan desalojos forzosos. En 2016, Sessini documentó la ofensiva peshmerga kurda contra el Estado Islámico (EI) en la ciudad de Bashiq antes de cruzar la región para cubrir a las fuerzas iraquíes que avanzaban hacia Mosul.
Su trabajo ha sido publicado por prestigiosos periódicos y revistas, incluidos New Yorker, Newsweek, Stern y Time Magazine. Se ha mostrado en múltiples exposiciones individuales en todo el mundo, incluidos los Rencontres d’Arles, la Bibliothèque Nationale François-Mitterrand y el museo Barbican.
Sessini se convirtió en nominado a Magnum Photos en 2012 y miembro de pleno derecho en 2016.
Joan Fontcuberta
Joan Fontcuberta Villà (24 de febrero de 1955, Barcelona) es un artista, docente, ensayista, crítico y promotor de arte español especializado en fotografía.
Premio David Octavious Hill por la Fotografisches Akademie GDL de Alemania en 1988, Chevalier de l’Ordre des Arts et des Lettres por el Ministerio de Cultura en Francia en 1994, Premio Nacional de Fotografía, otorgado por el Ministerio de Educación, Cultura y Deporte de España en 1998 y Premio Nacional de Ensayo en 2011.
José Asensio
Valencia, 1985
Su experiencia fotográfica profesional comienza en 2017 realizando encargos para diferentes empresas como freelance. En su mayoría fotografía corporativa y publicitaria, y desde 2019 hasta la actualidad realizando también fotografía social y de eventos.
En 2018 comienza dos años de estudios fotográficos en Espai d’art fotogràfic, en València, finalizándolos en 2020, donde realiza posteriormente el Máster en fotografía: producción y creación (2021), quedando ganador de su XI edición. En 2021 concluye también el curso Pintura europea: Leonardo, Rembrandt, Goya, de la Universidad Carlos III de Madrid.
Además de su carrera profesional, también ha sido socio de diferentes colectivos, como la Asociación Valenciana de Fotografía Digital durante varios años, ha sido partícipe de diferentes exposiciones fotográficas, así como premiado con varios premios e intervenido en distintos cortometrajes en el departamento de Iluminación
José Manuel Ballester
Licenciado en Bellas Artes y en Psicología, Terapeuta Gestalt y Terapeuta Humanista Integrativo. Elige la fotografía como su medio privilegiado de investigación, explorando sus límites como lenguaje, y haciéndolo dialogar con la pintura, el vídeo, la performance, la palabra o la instalación.
La obra de este artista ha sido expuesta en numerosos museos e instituciones de todo el mundo, y se encuentra en colecciones como la del Museo Reina Sofía de Madrid, el Gran Duc Jean de Luxemburgo o el Museo de Arte Moderno de Filadelfia, entre otros.
Se han publicado 17 monografías de su obra, habiendo sido reconocido su trabajo con numerosos galardones, entre los que cabe destacar el Premio Nacional de Fotografía, el Premio de Fotografia de la Comunidad de Madrid, el Premio de Fotografía del Ayuntamiento de Madrid y el Premio Bartolomé Ros de PhotoEspaña.
Jun Shiraoka
1944 Nace en Niihama, Japón
1967 Graduado de la Universidad de Shinsyu (Licenciatura en Física)
1972 Graduado de la Escuela de Fotografía de Tokio-Sogo
1967-1972 Trabajó para la Universidad de Kantoh-Gakuin como profesor de física.
1972-1973 Viajó por Europa
1973-1979 Vivió en Nueva York Estudió inglés en el American Languege Program de la Universidad de Clumbia (1973-1977)
Tomó cursos de Lisette Model, Nathan Lyons, Philippe Halsman y George Tice en la New School for Social Research and I.C.P (1974-1976)
Enseñó matemáticas como profesor a tiempo parcial en el Instituto Educativo Japonés de Nueva York (1974-1979)
1979-2000 Vivió en París Enseñó matemáticas en el Lycée Seijo d’Alsace (1987-1989)
2000- Viviendo en Chiba, Japón
2001-2009 Enseñé fotografía en la Universidad de Arte Tokyo-Zokei
2008-2015 Fundó Calotype Studio (cuarto oscuro, taller y galería de alquiler) en Shinjuku-ku, Japón y enseñó fotografía.
2016 Fallece el 17 de marzo a los 71 años.
Juozapas Čechavičius
Juozapas Čechavičius (2 de marzo de 1818 en el condado de Polotsk, gobernación de Vitebsk, 13 de enero de 1888, Vilnius, enterrado en el cementerio de Bernardine) es un fotógrafo de Ucrania, Bielorrusia y Lituania.
En 1856 Estudió fotografía en París. Después de regresar del extranjero, fotografió en Kiev, Chernihiv, entre 1863-1865 vivía y era propietario de un estudio fotográfico en Vitebsk. Desde 1865 vivía en Vilna. en 1866 Abrió un estudio fotográfico que funcionó hasta 1888. Miembro de la Sociedad Fotográfica Francesa.
Vistas fotografiadas de Kiev y Chernihiv, de 1869. – Arquitectura de Vilnius y alrededores. Imágenes capturadas de ferias y construcciones de la ciudad. Fue el primer fotógrafo lituano en empezar a fotografiar interiores.
Laetitia Vançon
Laetitia Vançon (Toulouse, 1979) basada en Alemania, es reconocida por su poderoso y reflexivo trabajo documental. Ha ganado premios como: 2020 POYi News Story, 2019 Sony Awards Professional Portraiture, 2018 Emergent talent Gacilly photo festival, 2017 LensCulture’s Exposure, 2017 Feature Shoot Emerging, Photography, 2016 Bourse du Talent, finalista, «Al final del día», 2015 Photofestival Les Boutographies, «Mi Casa, Mi Prisión».
Su trabajo se enfoca en problemas sociales contemporáneos, particularmente en torno a cuestiones de identidad y pertenencia cultural, la superación de las adversidades, la fe y la esperanza. Más recientemente, documenta las desastrosas repercusiones de la guerra en las poblaciones civiles, que han causado desplazamientos masivos de población, pérdida de vidas y traumas psicológicos duraderos.
A través de su lente, captura la esencia de la vida cotidiana y los momentos íntimos, familiares para nuestras sociedades, lo que permite a los lectores conectarse con sus propias historias y fomentar el interés, la empatía y el compromiso continuos. Su mayor don es su capacidad para comunicarse y conectarse con las personas que fotografía y mostrar su humanidad y resiliencia frente a las dificultades.
Laurent de Gebhardt
Laurent de Gebhardt es un artista francés que vive en la isla de Reunión, en el corazón del océano Índico. Realiza reportajes para ONG en India, Madagascar y luego se especializa en el retrato de encargo después del descubrimiento de la iluminación de estudio.
Su estilo artístico se afirma mediante el uso de luces que evocan la estética intemporal de los pintores flamencos y refuerzan la dimensión pictórica de sus fotografías.
Fue seleccionado en varias residencias artísticas (Parque Nacional de la Reunión, Museo de Historia Natural de Saint Denis, Ciudad de las Artes…) durante las cuales realizó varias series de retratos, a veces íntimos y auténticos a veces escenificados con un enfoque narrativo y emocional.
Su trabajo intenta acercarse a través de la práctica del retrato de la transcripción de nuestros estados interiores, complejos y sutiles. Actualmente está realizando un trabajo en residencia en el servicio de quemados del Hospital Universitario Norte de Reunión, en colaboración con la psicóloga del servicio.
Laima Oržekauskienė-Ore
Laima Oržekauskienė-Ore es una de las artistas textiles más convincentes de Lituania y ganadora del Premio Nacional de Cultura y Arte. La artista fue galardonada con la Medalla de plata en la 15ª trienal internacional de Lodz de Tapices, en Polonia, con un Diploma en la Bienal de Textiles de Lituania en 2016, 2018 y 2020, y nombrada Mejor Artista en la feria de arte ArtVilnius’15. También ha realizado exposiciones individuales en el extranjero, en países como Japón, India, Austria, Dinamarca, Italia, etc.
Con su trabajo ha establecido su principio creativo caracterizado por combinar lo clásico y la vanguardia, que ahora están utilizando muchos otros artistas textiles.
El trabajo de Laima Oržekauskienė sería inimaginable sin el uso de la fotografía como medio.
María José Rodes Sala
María José Rodes Sala (Alicante, 1953) ha estado profesionalmente dedicada a la enseñanza de materias científicas. Catedrática en ciencias naturales y profesora de Biología. Más tarde, volcada en el mundo de la fotografía también es diplomada en Estudios Fotográficos por espai d’art fotogràfic.
Se ha formado en varias escuelas como Blank Paper, Revelarte, Espai d’Art fotogràfic o LENS y desarrollado tres relevantes exposiciones individuales y numerosas exposiciones colectivas. El bodegón científico, el retrato y la fotografía documental son sus centros de interés.
Se mencionan a continuación algunas de las exposiciones más recientes, llevadas a cabo durante los años 2022-2023
Exposició colectiva «L’espill de la natura »Jardin Botánico de la Universidad de Valencia, del 22 de febrer al 14 de maig de 2023, organizada en colaboración con la revista Mètode, participando con la obra “Doble y dorada exposición” .
Exposicion Individual “La Evolución de las formas. El lenguaje científico de la belleza”, en el Museo de Ciencias Naturales de Valencia, promovida por el Ayuntamiento de Valencia, desde el 28 de Septiembre de 2022 hasta el 08 de Enero de 2023.
Exposición individual “El lenguaje científico de la Belleza” en EL XX Edición del Festival Fotográfico Imaginaria 2022 del 1 al 29 de mayo de 2022, en el centro cultural Olga Raro de Segorbe. Organiza: PhotoMayo, Universitat Jaume I, Ayuntamiento de Segorbe, Diputación de Castellón.
Exposicion colectiva Street gallery Espai D’art en el marco del Festival Internacional Valencia Photo 2022 realizado en Valencia del 15 al 18 de septiembre con el trabajo “Accidental pairs”
Exposicion colectiva de los Socios de la Agrupación Fotográfica de Segorbe SALON DE OTOÑO 2022, del 12 de noviembre al 11 de diciembre de 2022 en la Sala Camarón del Centro Cultural Olga Raro con la obra “El guardian de la noche”
2022. Exposicion colectiva premiados y seleccionados en el XXVII Salón Fotográfico Ciudad de Segorbe, Del 13/10/2022 al 08/01/2023 EN LA Sala de exposiciones «Casa Garcerán» participando con la obra “Escapando de la realidad”.
Exposicion colectiva de fin de Curso con la temática “Accidente” de los proyectos realizados EN CASA durante el curso 2022 en Novedades Casino, Valencia. Con el proyecto “Dos son multitud”.
Marija Cipkute
Marija Cipkute es una artista emergente. Actualmente reside y trabaja en Madrid, España. Nació en 1993 en Kaunas, Lituania, y completó sus estudios en la Academia de Bellas Artes de Vilnius, donde también obtuvo su Master en Bellas Artes en 2017. Su crecimiento como artista estuvo influenciado por sus estudios y prácticas en la Academia de Bellas Artes de Praga. Esto comenzó a formar su lenguaje artístico, que en aquel momento tomó un nuevo camino. Cipkute investiga en su obra el significado de la feminidad, el lenguaje, la voz y la identidad cultural. A pesar de que la artista comenzó su carrera en la pintura, ahora en sus prácticas incorpora una variedad de técnicas interdisciplinarias.
Muchas de las obras de Cipkute son autobiográficas y personales. Ella frecuentemente experimenta con la transformación de objetos cotidianos en obras de arte. Algunas de sus obras son performances de larga duración basadas en la realidad (como plantar un jardín móvil y llevarlo a donde se mude a vivir o tejer laboriosamente una obra de punto de cruz para representar «la cruz de la madre» o el lado oscuro de la maternidad). Sus obras de arte son poemas visuales sobre el mundo que nos rodea.
Maxim Dondyuk
Maxim Dondyuk (n. 1983) es un artista visual ucraniano que trabaja en el campo de la fotografía documental. Su práctica integra múltiples medios que incluyen fotografía, video, texto y material de archivo. Las obras de Maxim a menudo exploran temas relacionados con la historia, la memoria, el conflicto y sus consecuencias.
Los proyectos anteriores seleccionados incluyen ‘Epidemia de tuberculosis en Ucrania’, un trabajo de dos años que investigó el problema de la tuberculosis en Ucrania; ‘Crimea Sich’, una serie de fotografías y un documental, que narra la crianza militar de los niños en el campamento secreto de las montañas de Crimea; ‘Entre la vida y la muerte’, una reflexión personal sobre las secuelas de las guerras a través de las ruinas y paisajes devastados, antes campos de batalla; ‘Cultura de Confrontación’, dedicada a los hechos de la Revolución Ucraniana 2013/14, que en 2019 derivó en el libro del mismo nombre, y se convirtió en un punto de inflexión en la obra artística del autor; el proyecto en curso ‘Untitled Project from Chernobyl’, donde Maxim trabaja con fotografías encontradas en las áreas restringidas, combinándolas con fotografías de paisajes de los territorios que fueron quemados por la energía nuclear. Su trabajo más reciente se concentra en la invasión rusa de Ucrania.
Maxim ha recibido numerosos reconocimientos, incluido el ganador de la Beca W. Eugene Smith en Fotografía Humanística, Fotógrafo Internacional del Año en los Premios Lucie, finalista del Premio de Fotografía Prix Pictet, concurso Magnum Photos ’30 menores de 30′ para documentales emergentes fotógrafos Su trabajo ha sido exhibido internacionalmente, en el Musée d’Art Moderne de París, Somerset House en Londres, MAXXI Museo Nacional de las Artes del Siglo XXI en Roma, Museo Internacional de la Cruz Roja y de la Media Luna Roja en Ginebra, la Bienal de Fotografía de Bogotá en Colombia , entre otros. También obtuvo una residencia artística en la Cité Internationale des Arts de París. Las obras de Maxim se encuentran en colecciones privadas y de museos, incluido el Museo Nacional de Fotografía en Colombia, el Museo Benaki en Grecia y el Museo Nacional de Historia de Ucrania de la Segunda Guerra Mundial.
Melenco Ruslan
Melenko Ruslan, nacido en Ucrania, actualmente vive en España.
Mi formación y experiencia en el arte estaba al nivel de dibujar carteles en la escuela. La pérdida adicional de visión en mi ojo izquierdo debido a un accidente (catarata traumática) no me impidió ver, sentir y disfrutar del mundo que me rodeaba. Mientras esperaba el resultado de las operaciones consecutivas de mi hijo (MPS Tipo II), tenía a mano un lápiz y una hoja en blanco. La realización de que quiero y necesito dibujar me llegó al instante. Todo lo que tenía que hacer era olvidarme de los problemas y sumergirme en el mundo de los colores, las formas, los retratos y los paisajes. Entonces, el nuevo amor ha llegado a mi vida (el segundo, por supuesto, el primero es mi amada esposa). Al no tener una educación artística y ver con un solo ojo, pinto como me dice el corazón. Mezclo todo: estilos, colores. Como dijo Albert Einstein: “La imaginación es más importante que el conocimiento”.
Mindaugas Meškauskas
Mindaugas Meškauskas es un galardonado director de televisión y guionista lituano. Durante más de 20 años, ha trabajado con los principales canales de televisión lituanos para crear, desafiar, provocar y contar historias convincentes que atraigan y atraigan a los espectadores.
Interesado en la fotografía y sus métodos desde su adolescencia, Meškauskas ha estudiado técnicas históricas y alternativas como el colodión de placa húmeda, un marcado contraste con las imágenes fugaces y temporales de la televisión.
Centrándose principalmente en la fotografía de retratos y la narración de retratos, Meškauskas ha realizado ocho exposiciones personales en los últimos cinco años y ha participado en varias exposiciones colectivas y otros proyectos artísticos.
Neringa Naujokaite
Neringa Naujokaite (nacida en 1966 en Kaunas, Lituania) es una artista multimedia y cineasta. Se graduó en la Academia de Arte de Vilnius y en la Kunstakademie Dusseldorf, en 2003 completó sus estudios de posgrado en medios audiovisuales en la Academia de Artes Mediáticas de Colonia (KHM).
En sus proyectos, Naujokaite aborda temas sociales, la interacción entre los individuos y su entorno, así como cuestiones sensibles de la sociedad. Las instalaciones de Naujokaite son proyecciones de diapositivas y vídeos de múltiples capas que involucran sonido y texto, objetos espaciales. A menudo, la propia pantalla de proyección se convierte en un objeto volumétrico en el espacio, que se «pliega» o se corta en planos separados y se desplaza en el espacio. Los medios de vídeo y fotografía son los más adecuados para revelar el contenido documental basado en la realidad del trabajo de Naujokaite: representaciones de personas y de espacios sociales o urbanos.
Naujokaite ha recibido numerosos premios y becas por sus obras de arte, incluido el Premio de Bellas Artes de la capital del estado, Düsseldorf, y el 9º Premio de Videoarte de Bremen.
El artista vive y trabaja en Düsseldorf.
Nicolas Boutruche
Nicolas Boutruche realizó estudios de cine. Después de haber rodado varios cortometrajes, dirigió durante diez largos años un centenar de películas comerciales, musicales y “corporativas”. Cansado de hacer películas para otros, Nicolás quiere volver a contar historias para sí mismo, para dejar que su sensibilidad se exprese. Dejó el cine para dedicarse la fotografía y produjo una primera serie fotográfica sobre el tema de la ingravidez en 2009. Seis años más tarde, Nicolás comenzó una segunda serie «Del voyeurismo a 1/10»
Nicolás Llorens Lebeau
Nicolás Llorens Lebeau, Castellón de la Plana, 1968. Participó en las tareas de restauración y recuperación de patrimonio en el teatro Romano de Sagunto y en la digitalización de los grabados del Museo de Bellas Artes de Valencia en la década de los 90.
Autor de la fotografía de la Gran Enciclopedia Valenciana (DCV, 1990) que simultaneó con los estudios de Filosofía y Ciencias de la Educación.
En 1997 cursa los estudios de postgrado en el programa de doctorado de estética de la Facultad de Filosofía de la Universitat de València.
En 1998 crea el Centro Valenciano de Arte Experimental, CVAE, en el 2000 la escuela internacional de fotografía – espai d’art fotogràfic. Durante estos años se inicia en la fotografía de teatro, siendo fotógrafo dels Teatres de la Generalitat Valenciana.
En 2010 crea y dirige el Máster en Fotografía: Producción y creación siendo un título propio de espai d’art fotogràfic y de la Universitat de València.
En 2022 crea y diriige el Festival Internacional de Fotografía y Debate de Valencia, ValenciaPhoto y en el 2023 espai d’art formació, escuela internacional de arte, la cual dirige e imparte clases de técnica y estética. En la actualidad, mantiene una intensa actividad en la internacionalización del currículum que ofrece en espai d’art formació, en el Master y en ValenciaPhoto, al colaborar con prestigiosos fotógrafos eurpeos y norteamericanos, así como museos, teóricos y centros de arte.
Ha comisariando exposiciones en España, Rabat, Munich, Lisboa, Toulouse, Bordeaux, Roma, Dublín, Moscú, Nueva York y París entre otros.
Ha expuesto su trabajo en numerosas salas de Valencia, En la Fundación DeArte, en la cual tiene obra, en La Universidad Jaume I de Castellón y en Salermo, Italia.
Olivier Bénier
Olivier Bénier es un fotógrafo francés nacido en 1975 que ha retratado los refugiados de Calais así como los Rohinyás de Kutupalong en Bangladesh.
Para mí, la fotografía es una forma de contar historias auténticas, documentar realidades complejas y poner de relieve importantes cuestiones sociales y medioambientales.
Creo que las imágenes tienen el poder de despertar emociones, cambiar perspectivas y dar voz a voces que a menudo se pasan por alto.
Estoy decidido a utilizar este poder para informar, inspirar y sensibilizar. Mi viaje como fotoperiodista no ha hecho más que empezar, aunque llevo más de 10 años luchando por superar los retos a los que me enfrento para desarrollar mi ojo crítico, con el objetivo, por utópico que parezca, de ayudar a cambiar las cosas que no me gustan del mundo que nos rodea.
Pierre Gonnord
Nacido el 28 de Junio de 1963 en Cholet, Francia
Desde 1988 vive y trabaja en Madrid.
A finales de 1998 inició un proyecto muy personal —definitorio de su trabajo— sobre rostros humanos con muy diversas series de imágenes.
Hizo primero una secuencia de retratos de ciudadanos occidentales, sobre su juventud urbana: Interiors (Madrid, 1999) y luego City (Nueva York, 2001). En los años sucesivos hizo las series Regards (2000-2003), Far East (Japón, 2003) y Utópicos (2004-2005), de muy diverso tipo, donde elegía un acercamiento a personajes marginados por la sociedad y los fotografiaba en primeros planos del rostro: eran vagabundos, presos, locos o ciegos, pero también monjes, geishas, miembros de bandas urbanas. Ha hecho lo propio con personas de grupos gitanos o de gente que ha vivido la tragedia de los Balcanes y del norte de África (Testigos).
Su obra ha sido expuesta en diversas ciudades de España, Francia, Portugal y Estados Unidos. En España su obra está presente en la galería de arte de Juana de Aizpuru.
Ha expuesto en múltiples galerías públicas y privadas, como el Centro Cultural Conde Duque, la Maison Europeénne de la Photographie de París, en el Museo de Bellas Artes de Sevilla, en la Universidad de Salamanca, en el Museo Universidad de Navarra, en el Atelier des Forges, Les Recontres d´Arles, en el FRAC Auvergne-Ecuries de Chazerat, Clement Ferrand; en el Festival fotográfico de Helsinki y en Oslo.
El Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid posee obra suya.
Pilar Pequeño
Desde muy pequeña se interesó por el dibujo, y quiso realizar la carrera de Bellas Artes. En 1965 entró a formar parte de la Real Sociedad Fotográfica. De 1975 a 1977 vivió en Estados Unidos. Compaginó el dibujo con la fotografía hasta que en 1982, se centró en la fotografía e inició su primera serie, «Paisajes»
Raffaello Robbiani
Raffaello Robbiani es un fotógrafo emergente que se graduó de la Escuela Espai D’Art Fotogràfic en Valencia, especializándose en fotografía de moda. Con una pasión por contar historias y un ojo exigente para los detalles, está en un viaje para establecerse en los escenarios de la industria fotográfica.
Habiendo publicado editoriales en varias revistas, Raffaello Robbiani está ganando reconocimiento de manera constante por su habilidad para crear narrativas visualmente impactantes que fusionan de manera fluida la moda y el arte. Su trabajo refleja una perspectiva única, composiciones cuidadosamente seleccionadas y una exquisita atención al detalle, cautivando a las audiencias y evocando emociones. A través de su fotografía conceptual de moda, invita a los espectadores a adentrarse en un mundo de imaginación, donde cada imagen cuenta una historia.
Raffaello Robbiani explora el ámbito de la elegancia minimalista, capturando la esencia de la belleza y la gracia en la moda. Sus estéticas refinadas, líneas limpias y atención meticulosa a los estilos crean un lenguaje visual que celebra la simplicidad y la sofisticación en cada encuadre.
A medida que Raffaello Robbiani continúa construyendo su reputación, su trabajo ha sido exhibido en exposiciones y eventos de fotografía anteriores, donde su compromiso para superar los límites artísticos y capturar la esencia de la moda ha llamado la atención. La próxima exposición promete ser otro hito significativo en su trayectoria artística, invitando a los espectadores a presenciar la convergencia de la moda y el arte a través del objetivo de Raffaello Robbiani.
Reinaldo Thielemann
Primer Premio Nacional Fin de Carrera de Educación Universitaria 2013-2014 del Ministerio de Educación y Formación Profesional.
Premio extraordinario de licenciatura por la Facultad de Bellas Artes de Altea, Universidad Miguel Hernández, Elche (año 2014).
Premio Universitario 5 Estrellas Alumno Cinco Estrellas por la Facultad de Bellas Artes de Altea, Universidad Miguel Hernández, Elche (año 2014).
Premio a la excelencia del mejor expediente académico de licenciado en Bellas Artes (Conselleria Educación, Investigación, Cultura y Deportes, Generalidad Valenciana, 2014)
Licenciado en Bellas Artes por la Facultad de Bellas Artes de Altea, Universidad Miguel Hernández, Elche (año 2014).
IV Beca de Profesionalización Artística Puenting, MAG (Mustang Art Gallery). Facultad de Bellas Artes de Altea Universidad Miguel Hernández, convocatoria 2014.
Estructuro la producción de mis trabajos usando objetos y experiencias de la historia y de la vida, a través de una reflexión sobre el simbolismo visual de las imágenes que tienen sus raíces en la historia de su producción y reproducción. Mis trabajos reflejan la identidad humana y las relaciones del ser humano, mostrando la potencialidad disensual de las imágenes mediante técnicas pictóricas, fotográficas, gráficas, imágenes formadas por huellas de happenings, y acciones que plasman una poesía visual. Escojo la imagen como un concepto clave de la conducta humana y su repercusión. La imagen y la exploración de sus relaciones semióticas me proporcionan el enlace y el motor para investigar su simbología visual. Para ello empleo la imagen pura y sin adiciones estéticas, como un medio para responder a las cuestiones planteadas por el mundo: las convenciones sociales, los sentimientos, la historia, la gente y la vida misma, entendida como una construcción y un estado en el cual todo tiene lugar. Se trata de un trabajo que indaga y reflexiona continuamente sobre el mundo, los diferentes ámbitos que lo componen y sus relaciones. En definitiva, el germen del Arte nos mueve hacia la comprensión de las personas y del mundo a través de su visión.
Richard Nieto
Nacido en 1952 en Toulouse, Francia. Autodidacta, vive y trabaja en Toulouse.
1972 – 1974 Trabajó como reportero gráfico para el periódico ‘Liberación’ y para la agencia de prensa ‘Fotolib’. También fue ilustrador, involucrado en fotos publicitarias, moda y arquitectura.
1974 – 1982 Profesor de fotografía y director artístico de diversos eventos públicos y privados. Continúa su investigación estética de la fotografía tradicional y sus experimentos para adaptar ciertos procesos antiguos: bromoil, oleotipo, chicle bicomado al arte contemporáneo…
Su carrera artística de 1982 a 2013 incluye 45 exposiciones importantes en Europa. También ha publicado numerosos catálogos y participado en numerosas críticas de arte, programas de radio y televisión.
Es fundador de varios grupos de estudio sobre estética de la fotografía y creador de diversos eventos para academias e instituciones. Colaboró durante varios años para el Colegio Internacional de Filosofía en el tema: ‘Ficción y Fotografías’, ‘Fotografía y el Inconsciente’.
Trabaja desde hace muchos años en los ‘Arquetipos’ donde los Zigures de la mitología son representaciones fundamentales y más generalmente la esencia de la imaginación en la invención de lo maravilloso.
“Creo que la esencia de la imagen es de naturaleza ‘alquímica’ y que su proyecto ideal, o su función, es provocar -en el espectador- una emoción análoga, o lo más cercana posible, a la emoción que ha sido su razón de existir como imagen.
Sería este sentido que la imagen participaría de una lectura universal. Idioma no. La asociación de un texto con una imagen (la mía, al menos) es una operación redundante a la que no le veo interés, si no es participar de una manera… cosa que no me preocupa.
Lo visible no necesita explicación…y lo invisible necesita secreto.“ Richard Nieto
Le visible n’a pas besoin d’explication… et l’invisible a besoin de secret.“ Richard Nieto
Romà Seguí i Francès
Romà Seguí i Francès (Dénia, 1962) ha cursado estudios en la Universitat de València, la Universitat de Barcelona y la Universidad Politécnica de Valencia. Trabaja de Técnico Superior Documentalista en la Generalitat Valenciana desde 1992. Ha publicado trabajos de investigación sobre historia del libro y bibliotecas en Afers, Mètodes d’Informació, Laberintos o Pasiones Bibliográficas. Ha publicado los libros de poesía Sonets de l’amor absurd en 2017 y Poemes morals; Tabarca en 2018. En la actualidad, cursa estudios de fotografía en Espai d’Art Fotogràfic de València.
Romualdas Požerskis
Romualdas Požerskis es un fotógrafo lituano, nacido el 7 de julio de 1951 en Vilnius, profesor de la Universidad de Vytautas el Grande en Kaunas. Se graduó en el Departamento de Ingeniería Eléctrica del Instituto Politécnico de Kaunas. Sus obras están en las colecciones de los museos más importantes del mundo, y él mismo es profesor en la Facultad de Artes de la Universidad Kaunas Vytautas el Grande, donde enseña un curso de historia y estética de la fotografía. Premio nacional de la República de Lituania, miembro de la Unión de fotógrafos de Lituania y de la Federación Internacional de Arte Fotográfico (FIAP). Sus trabajos principales incluyen Victorias y Derrotas (1974-1976); En un hospital (1976-1982); Casco antiguo de Lituania (1974-1982); Festivales de la aldea (1974-1993); Jardines de la Memoria (1977-1993); El Último Refugio (1983-1990); Muses (1988-2001); Dossier de Mirage (2002-2003); y las miserias y las alegrías del pequeño Alfonsas (1992-2003). El trabajo de Pozerskis ha sido presentado en exposiciones individuales y grupales en Poznan, Polonia, en la Casa de la Fotografía de Plovdiv, Bulgaria, y en Mala Galerija en Bratislava, Checoslovaquia en 1981, así como en Tokio, Berlín, Estonia, Munich, y otros lugares.
Silvia Martí Marí
Valencia, 1966
Artista y profesora de Bellas Artes. Su obra artística y sus producciones teóricas exploran las relaciones entre lo público y lo privado, entrelazando lo personal y lo político, abarcando, entre otras, cuestiones de arte público, de género o de movilidad. Sus producciones se vehiculan a través de imágenes fotográficas y audiovisuales, esculturas, dibujos o instalaciones.
Doctora (2004) y Licenciada en Bellas Artes (1995) por la Universidad Politécnica de Valencia. Licenciada en Psicología por la Universitat de València (1988) y Máster MA Sculpture (Southampton University, 1999). Ha sido Investigadora principal del Grupo H-70 (los) Usos del Arte, Universidad de Zaragoza (2013-2016). Ha participado en diferentes grupos y proyectos de investigación concernientes a estas temáticas. Ha recibido becas y efectuado estancias internacionales en múltiples instituciones artísticas y académicas. Ha sido profesora en el Máster de la Facultad de Artes Visuales (UANL, Monterrey, México, 2006-2007), profesora invitada en la Facultad de Artes de Chile (1996) o en la de Murcia (2010-2013). Ha realizado estudios artísticos en Wimbledon School of Art (University of the Arts London), en l´École Nationale des Beaux Arts à Paris o el International Center of Photography (ICP, Nueva York), entre otros. Ha realizado estancias artísticas y de investigación en centros como Central Saint Martin´s College of art (London), Sakarya University (Turkey) o Vermont Studio Center (Johnson, Vermont, USA). Ha comisariado exposiciones en diversos centros como el CGAC (Santiago de Compostela), la Sala Parpalló (Diputación de Valencia) o el Espacio AV (Consejería de Murcia).
Ha participado en exposiciones individuales y colectivas, nacionales e internacionales como (Indiv..): “Un vacío en Nueva York”, Centre Carme Cultura Contemporánea, Valencia, (prevista proyecto Escletxes 2024-2026); “Dessinsemblages”, Colegio de España en Paris, 2017; IMAGO 2001.Salamanca, 2001; “Pactos Privados”, Galería Espai Lucas, Valencia, 2001; “Líneas de Fuga”, I Bienal de Valencia, 2001; “Pactos Privados”, Metrónom. Fundació Rafael Tous. Barcelona, 2001; “Underlying “Sexualities”, Galería Luís Adelantado, Valencia, 1998; o “Moving”. Sala Edgar Neville, Alfafar (Valencia), 1998.
Colectivas (selecc.): “Espacios con Aura”, Sala Exposiciones BBAA, Teruel, 2022; “Valencia Capital Animal”, CCCC (Valencia), 2018; “Vermont Pieces”. VSC, Johnson, Vermont (USA), 2017; “Dulcificar Pecados”, 2016. (CCCC, Valencia); “La casa”, Colección Coca-Cola y DA2, Salamanca, 2015; “Vemos o que somos”, Pazo da Cultura, Pontevedra, 2010; “Ver y Sentir. Valencia Fotografiada”, Reales Atarazanas. Valencia, 2004; Centro Recoleta, BsAs; México D.F.; MNAV, Montevideo; “Inner smile”. ARCO 2002. Galería Espai Lucas; “Rostros y Rastros”, Brasil, 2001; Centro Cultural Recoleta. Bs As, 2002; México, 2002; o “Pacto con el Momento Incierto”, Casa de España en Lima (Perú), 1999.
Simonas Dūda
Simonas Dūda estudió escultura en la Escuela Nacional de Arte M. K. Čiurlionis de Lituania y en la Academia de Arte de Vilnius. De 2009 a 2019 trabajó como realizador de escenografías en el Teatro Estatal de la Juventud (Vilnius) y como escenógrafo, realizador de escenografías y artesano de marionetas como freelance. Desde 2019 vive y trabaja en Valencia. En su escultura, Simonas Dūda trabaja diferentes técnicas y el diálogo entre artes visuales y teatralidad.
Ha realizado cuatro exposiciones individuales: “Radynis” [Hallazgos] (2019-2020, Palanga, y Vilnius, Lituania), “Maži objektai” [Pequeños objetos] (2018-2019, Palanga [Lituania] y Valencia [España]), “Da Dū Da” (2016, Vilnius, Lituania) y “Katarakta” (2004, Klaipėda, Lituania). Además, ha participado en numerosas exposiciones colectivas.
«Nos movemos guiados por unos hilos que no controlamos. Las redes sociales, las noticias, las imágenes que nos llegan a través de ellas, etc. marcan nuestra percepción de la realidad, nuestras decisiones, nuestros movimientos, las transformaciones que generamos y las que se generan en nosotros.
Esta pieza es el esqueleto de un títere, que deja a la vista todas sus articulaciones y sus mecanismos de manipulación: la estructura completa del cuerpo, piernas, manos, boca, ojos, y los hilos que, desde arriba, los mueven, guiando sus movimientos, sus expresiones, su mirada.
Entre los materiales que componen y recubren el títere quedan a la vista papeles de periódico con noticias y fotografías. La fotografía, por tanto, funciona a la vez como material y como lenguaje visual con el que se dialoga, y se convierte en elemento fundamental tanto de la estética como de la significación de la pieza». Simonas Dūda
Stanislovas Filibertas Fleury
Nacido en 1858, el 3 de septiembre, Frijoles. Murió en 1915 el 4 de Mayo (56 años), Vilnius
Uno de los pioneros de la fotografía estereoscópica.
Entre 1874-1878 estudió arte en la Escuela de Dibujo de Vilnius. Fotografió en el estudio de A. V. Štraus. En 1884 Fundó un estudio fotográfico en Vilnius con otros, 1892-1915. En 1904 fundó la primera empresa de zincografía y en 1905 produjo los primeros clichés zincográficos en Lituania. Participó en exposiciones de arte. Desde 1908 Miembro de la Sociedad de Arte de Vilnius.
Fotografió las calles y los suburbios de Vilnius, mercados, ferias («Feria de San Kazimierz en Lukiškių aištė» en 1900-1910), monumentos arquitectónicos, tipos de residentes. Creó una serie de fotografías del Calvario de Vilnius, ilustró el libro de E. Jelenska «Calvario de Vilniaus» (Kalwarya pod Wilnem, 1903), retratos (Mikalojus Konstantinas Čiurlionis, 1908, «Autorretrato» 1910-1915). Las fotografías a veces se coloreaban con acuarelas. 1900-1910 realizó fotografías tridimensionales.
Sus obras son propiedad del Museo de Arte de Lituania, la Biblioteca de la Academia de Ciencias de Lituania, el Museo Nacional de Lituania, el Museo de Arte Nacional Mikalojus Konstantinas Čiurlionis, museos polacos y también se encuentran en colecciones privadas.
Svitlana Shymko
Svitlana Shymko es una directora independiente de Ucrania, graduada del programa de maestría internacional DocNomads en dirección de documentales. Sus cortometrajes fueron proyectados y premiados en numerosos festivales internacionales de cine. Svitlana está trabajando en el desarrollo de temas políticos, sociales y feministas en el cine documental.
Vaidas
Vaidas Gaižauskas es un escultor, joyero y acuarelista lituano. Nació el 11 de diciembre de 1970 en Molėtai, Lituania. Desde pequeño a Vaidas le gustaba experimentar con diferentes materiales como metal y madera y con el paso del tiempo se dio cuenta que el arte es su verdadera pasión por lo que decidió estudiar Creatividad Técnica en la universidad de Vilna.
Después de estudios mantenía a su familia vendiendo sus esculturas en las galerías de Vilna. Aunque al nacer su segundo hijo tuvo que dedicarse a otro sector.
Varios años después, en 2013 Vaidas decidió perseguir su pasión de nuevo y dejar que aquello que se había convertido en hobby vuelva a ser el principal foco de su vida.
Ahora Vaidas anualmente presenta sus obras en diversas exposiciones y participa en eventos artísticos tanto en España como Lituania. En 2018 abrió su propia galería “VAIDUS” y ahora es uno de los fundadores de sociedad artística T.A.U. para artistas sin fronteras.
En sus acuarelas a Vaidas le gusta transmitir la emoción del momento, enfocarse en el movimiento y el juego de la luz. En cuanto a sus esculturas, estas suelen ser abstractas con inspiraciones de los antiguos maestros lituanos.
La galería VAIDUS
VAIDUS es una galería que abrió sus puertas al público en 2018. Es la sede de la asociación de artistas T.A.U. y organiza varios eventos con poetas, fotógrafos y pintores.
En la galería se realizan exposiciones de Vaidas Gaižauskas y varios artistas internacionales.
Vicente Peydró Marzal
Vicente Peydró Marzal (Valencia, 1888-1955), Cursó estudios de Bellas Artes y de Comercio.
Sus primeras fotografías las hizo a los diez años, ocupándose de temas familiares y retratando amigos en los días de fiesta.
El 29 de noviembre de 1928 fundó el Foto-Club Valencia, que sigue existiendo en la actualidad.
Su obra fotográfica obtuvo reconocimiento nacional e internacional a través de los numerosos premios obtenidos en los concursos en que participó y su nombre aparece relacionado al de los fotógrafos pictorialistas más conocidos de todo el mundo en los anuarios internacionales de la época.
Mantuvo estrecha relación con fotógrafos prestigiosos como Leonard Missone, José Ortiz Echagüe, Pla Janini, Tuinzing y otros. Trabajó con cámaras de formatos 6×9, 9×12 y estereoscópicas. Utilizó procedimientos pigmentarios (bromóleo, goma bicromatada, fresón) y más tarde bromuros. Cultivó mayoritariamente el paisaje, los ambientes y tipos rurales y el desnudo.
El legado fotográfico de Vicente Peydró se conserva actualmente repartido en la Biblioteca Valenciana, el Archivo Huguet, el Archivo del Foto-Club Valencia, El Museo Reina Sofía y colecciones privadas.
Vicente Serra
Vicente Serra. Jarafuel, Valencia. 1949. De padres emigrantes, cursa estudios de Bellas Artes en Francia. Practica la fotografía como afición. Finaliza su formación en Espai d’Art Fotogràfic, donde expone «Señas de Identidad».
Vilma Dobilaitė
Vilma Dobilaitė (Kaunas, Lituania, 1973), formada en espai d’art fotogràfic, cuenta con una reconocida trayectoria como resultado de sus exposiciones individuales y colectivas, centrándose en el jazz y en la naturaleza.
Sus fotografías, cada vez más alejadas del documento, se convierten en testimonio de un mundo interior de emociones y sensaciones.
Entre sus últimas exposiciones individuales cabe destacar Jazz al Carme en 2021, Jazz Nature en 2022 y Miške en 2023. Ha participado en numerosas exposiciones colectivas destacando la exposición conjunta con Jürgen Schadeberg «Jazz en los años 50… y del nuevo siglo”.
Desde el 2022 hasta la actualidad esta trabajando en proyectos fotográficos que tratan sobre la naturaleza, sus emociones y la identidad.
Vytautas Suslavičius
Nacido en 1951 3 de agosto en Trakai. 1969-1974 Estudió física en la Universidad de Vilnius. De 1977 a 2010, trabajó en AB Lietuvos elektrinė. Desde 1992 Miembro de la Unión Lituana de Fotógrafos. 1997. – Fotógrafo-artista (AFIAP) de la Federación Internacional del Arte de la Fotografía (FIAP), 2005 – Artista de la República de Lituania.
Yuriy Musatov
Desde 2017 miembro de la Academia Internacional de la UNESCO de Cerámica en Ginebra (IAC) y Unión Nacional de Artistas de Ucrania.
En 2008 se graduó de la Academia Nacional de las Artes de Lviv.
En los años 2012-2023 tuve 17 proyectos individuales y exposiciones, entre ellos «GRAVITY», Galería Artesia, Valencia, España; “Mi Explosión», Kahan Art Space Budapest, Mudapest, Hungría; «Mis sueños», Galería Kapolna (Estudio Internacional de Cerámica), Kecskemet, Hungría (2022); Proyecto 2020 «Proyecto 2020». Dasha S. Kandinsky. yuriy Musatov – MANDARIN MAISON arte de Spivakovska. Kyiv.
Ucrania; «Invasión», Tríptico: Global Arts Workshop, Kiev. Ucrania; «En progreso» / Centro de Arte Shcherbenko. Kyiv. Ucrania (2018) y «Mis montañas» / Centro de Arte Shcherbenko. Kyiv. Ucrania (2017).
También he participado en más de 70 exposiciones colectivas en todo el mundo, incluyendo: Exposición de miembros de Yingge IAC – Nuevo Orientalía. Nuevo Museo de Cerámica Yingge de la ciudad de Taipei / Nuevo La ciudad de Taipei. Taiwán (2018). «Keramik der Welt» / Galería Marianne Heller / Heidelberg, Alemania (2018). 18 Bienal de Ceramica D’esplugues (España), Contemporánea Internacional Exposición de Arte Cerámico (Beijing, China), XII Bienal Artística Cerámica (Portugal), Arte por la Paz en el Centro Cultural Coreano (Ankara. Turquía), Bienal de Cerámica de Cluj (Cluj. Rumania). Durante los últimos siete años, varias de mis obras de arte en cerámica han sido adquiridos por museos de renombre mundial y colecciones que incluyen: Museo Internacional de Arte Cerámico FuLe (FLICAM), Museo Nacional de Eslovenia, National Cultural Colección de la Universidad de Anadolu, Museo Municipal de Aveiro, Museo Nacional al Aire Libre de Cerámica Ucraniana. Panevezys Galería de Arte Cívico / Panevezys. Lituania, Cerámica Internacional Estudio / Kecskemet, Hungría.