EXPOSICIONES

La obra de Jürgen Schadeberg (Berlín, 1931 – La Drova, Valencia, 2020) constituye uno de los testimonios visuales más contundentes contra las barreras raciales impuestas por el apartheid, revelando con su cámara la profunda fractura entre la Sudáfrica blanca y negra.

Considerado “el padre de la fotografía sudafricana”, Schadeberg ocupa un lugar esencial en la historia de la fotografía documental del siglo XX. Desde su trabajo como fotógrafo principal de la mítica revista Drum, convirtió la imagen en una herramienta de denuncia social y memoria histórica. Sus retratos de Nelson Mandela o de Miriam Makeba figuran hoy entre los iconos visuales más reconocibles del patrimonio sudafricano.

La retrospectiva que presenta ValenciaPhoto reúne una cuidada selección de imágenes realizada por su viuda, Claudia Schadeberg, y ofrece una oportunidad excepcional para recorrer la trayectoria de este gran fotógrafo a través de copias originales, muchas de ellas positivadas por el propio artista.

Con motivo del Bicentenario de la Fotografía, ValenciaPhoto amplía su red con este centro, el primer museo en España dedicado a un gran fotógrafo clásico y uno de los centros más relevantes del país en el ámbito de la fotografía.

La exposición Valencia Histórica nos invita a un viaje al pasado a través de la mirada fotográfica de principios y mediados del siglo XX. Las imágenes reunidas muestran edificios, calles y espacios emblemáticos de la ciudad, revelando cómo era Valencia en tiempos pasados y conservando la memoria de su urbanismo, su vida cotidiana y su patrimonio arquitectónico.

Estas fotografías permiten apreciar la transformación de la ciudad a lo largo del tiempo, ofreciendo un testimonio visual que conecta generaciones y rescata la memoria urbana en toda su riqueza. Cada imagen es un fragmento de historia, un instante congelado que refleja la identidad de Valencia y la vitalidad de su entorno mediterráneo.

La muestra se enmarca dentro de la temática de países mediterráneos, destacando la relación de Valencia con su paisaje urbano y cultural, y se presenta en el contexto de la celebración del bicentenario de la fotografía, reconociendo la importancia de esta técnica como herramienta de memoria, documentación y creación artística.

Valencia Histórica es así una invitación a recorrer el tiempo, a redescubrir la ciudad y a contemplar sus calles y edificios desde una perspectiva histórica y poética, donde pasado y presente se encuentran a través de la fotografía.

Mediterráneo, Espejo de Alas no se limita a reunir imágenes del mar, del viaje o de la nostalgia: la exposición plantea la cuestión de qué significa habitar de forma duradera un “entre-dos”, llevar en uno mismo varias orillas y transmitir memorias femeninas marcadas por el exilio, la filiación y el deseo de metamorfosis. Siguiendo a estas seis artistas —entre Casablanca, Marsella, Róterdam, Alemania y Nueva York—, el recorrido muestra cómo el Mediterráneo se convierte sucesivamente en paisaje, umbral, recuerdo, horizonte político y escenario de performance identitaria.

Las obras reunidas aquí esbozan otra cartografía de la región: un mapa hecho de casas de la infancia, puertos, gestos íntimos, vestimentas, rituales y siluetas femeninas que rechazan los relatos simplificadores. Invitan a pensar la diáspora no solo como una distancia, sino como una fuerza de recomposición de los imaginarios, de los vínculos y de las pertenencias, en el cruce de varias lenguas y de varias historias.

Al dar voz a estas seis miradas, Mediterráneo, Espejo de Alas propone un mar ampliado —a la vez espejo de memoria y espacio de proyección— donde la diáspora marroquí inventa sus propias alas, entre herencia e invención, silencio y toma de palabra, archivos familiares y narraciones plenamente asumidas.

El grafiti es una forma de expresión libre que transmite mensajes diversos. Un grafiti célebre afirma:
«Muro limpio, pueblo mudo».
Este proyecto no pretende inventariar los grafitis que proliferan en las ciudades marroquíes, ni analizar la lengua utilizada (caracteres árabes y/o latinos), ni descifrar sus significados.
El enfoque parte de asociar los grafitis localizados en las medinas con escenas animadas por la presencia humana. Estos cruces otorgan al grafiti una connotación y un colorido que revelan el genius loci.
En sentido estricto, el grafiti es cualquier inscripción o dibujo trazado a mano sobre distintos soportes (pared, puerta, etc.); sin embargo, aquí el concepto se amplía para integrar fragmentos de carteles rasgados, salpicaduras de pintura, manchas persistentes, óxido, entre otros elementos.
El grafiti y la vida en la calle constituyen, en principio, dos conjuntos disjuntos: al centrarse únicamente en el grafiti, la actividad urbana queda en segundo plano; a la inversa, al observar la calle en su conjunto, la presencia del grafiti pasa desapercibida.
Mediante un procedimiento de sobreimpresión —realizado estrictamente en el momento de la toma—, el contexto de cada grafiti se enriquece con la escena viva que lo rodea.
La escritura fotográfica de “Moroccan Graffiti” evoca la estética del palimpsesto.

Sud relata un largo viaje por el Mediterráneo, una sucesión de etapas en ciudades, puertos y costas. Las imágenes se realizaron a lo largo de varios años; las primeras datan de mediados de los años 1980, y las últimas del año 2025. Marruecos, Grecia, Israel, España, Sicilia, Córcega, etc. He distribuido estas imágenes como lo habría hecho con una baraja de cartas, sin preocuparme por su cronología. Mi deseo era que terminaran por confundirse en un único territorio: el Sur.

A partir de los lugares se establece así una especie de cartografía incierta, como extraída de un sueño, donde una calle de Jaffa puede parecerse a otra en Palermo, y una cala en Creta hace eco de un trozo de playa en una calanque de Marsella. No tengo ninguna intención de dar testimonio o documentar, sino el simple deseo de deambular por el Sur, guiado por una brújula interior que me sirve para reencantar la vida a través del viaje, en busca de un imposible “otro lugar”.

Oxímoron en una figura literaria retórica de pensamiento que consiste en complementar una palabra con otra que tiene un significado contradictorio u opuesto.

El proyecto enfrenta dos imágenes opuestas de la realidad de nuestro planeta. La intención es generar sensaciones en el observador, tanto negativas como esperanzadoras.

El proyecto surge, en principio, como una denuncia del cambio climático enfrentando imágenes desérticas a otras donde el agua, bien sean ríos, mares o lagos tienen protagonismo.

Las imágenes, tomadas durante más de tres años, son de diferentes países y muestran el nexo de unión que existe ante un mismo problema, lo que fue agua hoy es desierto y las cosas se pueden invertir.

En estos años de trabajo en el proyecto, enfrentando ideas, recuerdos de paisajes de mi juventud donde viví inviernos lluviosos y veranos cálidos, pantanos llenos, verdes huertas y bosques frondosos, mi subconsciente situó la imagen desértica a la izquierda con la esperanza de volver a ver otra vez en mis paisajes cotidianos, la de la derecha.

El Mediterráneo es un territorio donde el tiempo se acumula. Las civilizaciones se superponen —de la antigüedad clásica al presente— en un paisaje marcado por la costa mediterránea, el mar que separa y que une al mismo tiempo. En este espacio de capas de memoria, la imagen se convierte en un lugar donde el tiempo se hace visible.

Tres artistas comparten una mirada de mujer que se sitúa lejos de la espectacularidad del acontecimiento. En lugar de la imagen heroica o monumental, aparece la atención al proceso, al desgaste, a lo que se transforma lentamente.

En Secuencias de una desaparición, la ciudad se desvanece ante nuestros ojos, revelando el paso del tiempo.
En Perdre le nord, la guerra se observa desde la distancia: imágenes fragmentadas que mezclan verdad y ficción.
En Todos están muertos, la memoria persiste en lo que ha desaparecido: rostros, escenas y archivos erosionados.

En todas ellas, la fotografía registra una desaparición: física, territorial o simbólica. Cambia el soporte —archivo intervenido, imagen tecnológica, secuencia conceptual—, pero el núcleo permanece.

Tres modos de mirar la desaparición.

¿Qué permanece cuando todo parece desmoronarse?